Entrevista a Cráneo Prisma

Nuevamente me he pasado una barbaridad de tiempo sin actualizar este blog. Aunque tengo varios discos pensados y preparados para reseñar no encuentro el tiempo ni la inspiración necesaria para hacerlo como me gustaría. He pensado en como solucionar este asunto y creo que cumpliré la amenaza expuesta en un post anterior de ampliar horizontes y publicar otro tipo de contenido, aunque siempre de índole musical.

Para comenzar esta nueva etapa colgaré una entrevista que realicé hace un tiempo para el segundo número del fanzine Penumbra, pero como de momento no verá la luz publicaré la susodicha entrevista aquí para que no quede abandonada en un cajón de mi disco duro.

La entrevista es a un joven de Cadiz conocido, entre otros nombres, como Cráneo. Pero leyendo lo que viene a continuación podremos saber más de él y de su trabajo.

Primero que nada haz una escueta presentación.

En casa me llaman Fran y aunque parezca lo contrario no tengo mucho tiempo libre, solo que lo distribuyo bien, en vez de salir de cañas o de botellón prefiero quedarme en casa pintando, haciendo música, abrazar a mi señora o jugar con mi gato.

¿Te consideras un “artista”? ¿Qué opinas de esta definición?

Bueno, es una pregunta difícil, ha ido por rachas, actualmente creo que si, naturalmente es una definición extraña la del diccionario de la real academia de la lengua española, mejor no hacerles mucho caso. Yo creo que un artista es aquél que es capaz de filtrar información, información que recibe a través de los sentidos y que después la hace salir transformada con su particular visión de las cosas, podríamos comparar a un artista con un filtro de estos que purifican el agua, me encanta esa definición. Ahora que estudio artes lo tengo mucho más claro, la técnica no es más que una muleta, que a veces incluso se carga el filtro, cada vez creo menos en el academicismo, personalmente lo veo como una manera de estropear lo que verdaderamente somos capaces de representar, eso si esta cualidad no se ha quebrantado con el paso de los años, los colegios tienen la habilidad por decirlo de alguna manera de hacer desaparecer esto, si no ha desaparecido esa aptitud en ti es que realmente eres especial.

¿Que podrías recomendarnos acerca de ultimas tendencias musicales?

Pues he descubierto un dúo/trío a veces de kraut muy ácido que se llaman Bitchin Bajas, pegan bien si te apetece englobarte un poco, Formación del espíritu nacional de Negro, es un disco inspirador lleno de matices y curiosidades; FUZZ, un proyecto de Ty Segall que por lo visto está dando mucho que hablar, tienen un sonido brutal, como si mezclases a los primeros Black Sabbath con Jimmy Hendrix; o Mylets, que es un joven nerd que hace un math rock con tintes emo muy pero que muy chulo.

¿Podrías contarnos algún sueño interesante que recuerdes?

Justo hace dos días soñé que un buitre gigante me perseguía por una azotea, yo lo veía llegar de lejos y sentía pánico, empecé a correr pero me dio un picotazo en el codo.

También soñé que era una especie de orangután gigante pero con mi cabeza y mi cara, solo tenía el cuerpo de este y me balanceaba por unas lianas que colgaban de unos postes telefónicos enormes.

¿Qué te dice la frase “El arte tiene la bonita costumbre de echar a perder todas las teorías artísticas.”?

Pues que de arte no hay nada escrito y como dicen en mi tierra, el arte es morirse de frío.

¿Lees fanzines? En realidad ya se la respuesta ¿Que opinas de ellos?

Por supuesto que si, era obvio, hace un tiempo pero tampoco tanto, descubrí una librería contraculturas donde hay unos libros súper interesantes, además de fanzines, es hipnótico pasearte por esa pequeña habitación ver fanzines colgados de cuerdas de tender, es pequeña, pero tiene libros hasta en las grietas de las paredes, es genial, me pillé unos cuantos fanzines, el que más me gustó no era exactamente un fanzine, si no un catálogo de una exposición de un artista vasco llamado Blami, fue todo un descubrimiento.

Los fanzines son estrictamente necesarios, necesitamos sacar todo lo que tenemos en la cabeza, sobretodo lo interesante es la amplia variedad de temas que existe, así que recuerde, uno que me llamó mucho la atención, me lo intercambié con una chica americana que no recuerdo muy bien ahora de donde era exactamente, pero hablaba de experiencias con fantasmas y contaba varias experiencias que había tenido con estos en los apartamentos en los que había estado viviendo, inquietante es poco.

¿Cual es tu libro favorito?

Otra pregunta difícil, como no tengo un libro favorito si no muchos te diré uno que me estoy leyendo ahora y otro del que guardo un buen recuerdo.

Actualmente leo "La niña del pelo raro" de David Foster Wallace, llevo como unos seis meses leyéndomelo, no es que sea pesado si no que se me olvida y cierto es que no estoy muy lector últimamente, pero a veces le pego un adelanto, son relatos cortos, el amigo que me lo recomendó me dijo que es math rock literario, jamás escuché una definición tan buena sobre un libro. Y del que guardo un buen recuerdo es "Tentativa" de Dennis Cooper, dicen que es el hijo bastado de Burroughs, escribe sobre jóvenes putas homosexuales, otro amigo mío, el que me prestó el libro, me dijo que si lo que escribe Cooper tuviese un olor, sin duda alguna sería olor a culo.

¿Qué te ha llevado a hacer la música que haces actualmente?

La falta de gente con similitudes musicales a las mías y que soy un culo inquieto.

¿Existe una nutrida escena alternativa en tu zona, o es como en todas partes?

La verdad es que no, en San Fernando, mi pueblo, acabé conociendo a gente con gusto musicales más menos similares a los míos pero nunca he encontrado algo cien por cien afín, pero eso no quita que haya habido buenos grupos, Henry es lo más parecido a grupo que escucharía en mi mp3 y en casa y tan parecido, como que eran buenísimos, hacían post rock a finales de los noventa y un post rock riquísimo, muy buen gusto a la hora de componer, al final los he acabado conociendo a todos los integrantes y con algunos tengo muy buena relación e incluso hemos formado grupos, anteriormente eran sos y empezaron haciendo hardcore melódico que fue mutando a post hardcore y a indie, siempre core. También están los Commonplaces, grupito de post math rock de colegas también, o Bu, que es el guitarra de Commonplaces haciendo dronedelias, teníamos un grupo llamado Buzo, algo hay por ahí por la red.

¿Podrías explicarnos que entiendes por minimalismo y darnos algunas referencias?

Minimalismo es hacer mucho con poco y sobretodo hacerlo bonito, Blami, el vasco del que antes hablaba es un buen ejemplo, o también está Cody Hudson, en cuanto a música hoy mismo me han pasado un dúo de electrónica precioso que se llaman Tonto´s expanding head band que tienen un sonido minimalista, sencillo y muy colorido.

¿Cual es tu opinión acerca de las etiquetas “vanguardista” o “experimental”?

Pues que como todas las etiquetas ahí están, o pasamos de ellas o las seguimos a rajatabla o lo que yo creo más firmemente, es que sirven para nutrirse y apoyarse, acojo todo en esta vida.

¿Como ves el futuro de la música? ¿Y del arte en general?

No me suelo plantear este tipo de cuestiones, supongo que irá muy bien, en tiempos de crisis dicen que surgen los grandes artistas, yo creo que se va a liar mucho y esto dará lugar a nuevos horizontes sin duda y la música, si siguen inventando cacharritos geniales y la gente sigue fabricándose y explorando circuitos, imagino que irá de puta madre.

¿Música vocal o instrumental?

Instrumental desde luego.

¿Moderno o clásico?

Moderno, soy un hipster no lo puedo evitar.

¿Perros o gatos?

Gatos, tengo una que es genial, su nombre es Júpiter, pero la llamamos pollo.

Haz un poco de publicidad sobre tus últimos proyectos

Te vas a arrepentir de haberme preguntado esto (risas), pues tengo muchos, lo último que he hecho ahora mismo es un EP de Holögrama, mi proyecto de kraut en solitario, dura como quince minutos y estoy buscando un guitarrista para llevar el proyecto al directo, lo estoy buscando en Granada que es donde vivo actualmente, si algún lector de Granada está leyendo esto ahora mismo no dude en comunicármelo, no sea tímido.

También ando liado con una serie documental acerca de artistas que me inspiran, se llama Show me project, lo podéis ver en Vimeo, el primer episodio está subido y ahora estoy en búsqueda de nuevos artistas inspiradores, ya que en mi pueblo tengo un par de ellos pendientes pero hasta que no baje no puedo hacer nada.

Estoy intentando apañarme las habichuelas también con algunos cuadros, estoy haciendo unos cuadritos muy pequeños a acuarelas y tinta que los llamo pueblitos, son formas geométricas locas con puertas, escaleras y ventanas, arquitectura imposible.

Además hago un cómic de historias cortas y un par de fanzines que tengo a medias, uno de geometrías y objetos encontrados y otro de fotografía.

¿Alguna última reflexión?

Bueno, no se me ocurre mucho tampoco, diré que no es necesario comerse un tripa para hacer cosas psicodélicas, pero tampoco está mal del todo. También que no está mal ojear en el pasado televisivo y ver series españolas de los noventa.

Para finalizar esta entrevista te voy a pedir que te hagas a ti mismo alguna pregunta y te la respondas, algo que te habría gustado que te preguntasen o que se haya quedado fuera del tarro.

¿Eres más de culos o de tetas?

De tetas.


http://cranekidantiart.blogspot.com.es/

http://xhologramax.bandcamp.com/

Me han vuelto a suspender la cuenta de mediafire, así que nuevamente no hay ningún disco para bajar. Cuando pueda volveré a subirlos, esta vez en otra página de descargas. De paso voy a colgar el enlace a una entrevista que he hecho a Rodrigo Mercado (hijo de Rosendo Mercado) Para la página web Rock in Spain, por la salida de su primer disco en solitario.

Entrevista Rodrigo Mercado

After Dinner - Paradise of replica (1989)

Hoy voy a presentar a una de las grandes figuras de la vanguardia en Japón a partir de los 80: La enorme Haco, artífice de proyectos como Hoahio o una prolífica carrera en solitario. Al igual que debería hacer con Delia Derbyshire, Haco se merece una buena entrada para ella sola, y quizás la acabe  haciendo, pero hoy nos vamos a ocupar del que fue su lanzamiento al mercado musical: After Dinner.
Sería difícil definir el sonido de After Dinner, podríamos decir que nos encontraremos con una música cambiante, impredecible, con un aura infantil y juguetona a la vez que desquiziada; fuerte e imponente a veces, tímida en otros momentos, con una clara tendencia a la música tradicional Japonesa pero sin perder de vista el academicismo europeo y reminiscencias a la música de cabaret. En cualquier caso no suena a nada que hayas escuchado antes.
El disco que hoy nos ocupa tiene todas estas características, fue el ultimo larga duración que sacaron, y en mi opinión el mas destacable, aunque los demás son igualmente maravillosos. En este trabajo encontramos mas melodías de corte occidental y menos experimentos electrónicos que en los anteriores trabajos, lo cual quizás lo haga algo mas accesible. La omnipresente y modulada voz de Haco expira voluptuosas notas acompañada de toda clase de instrumentos como violines, pianos, arpas tradicionales, flautas, arpas de boca, charangos o sintetizadores por encima de percusiones exóticas organizadas en una rítmica extraña y cambiante.
La ingente cantidad de gente que participa en el el disco aportando su granito de arena me impide mencionarlos a todos, pero se hace necesario mentar al resto de componentes de la banda que acompañan a Haco en este viaje: Yosuke Isshiki, Masahiro Kitada, Tadahiko Yokogawa, todos ellos poliinstrumentistas.

White Noise - An electric storm (1969)

En la actualidad, con la oleada de féminas que surgen de todos los rincones del arte auditivo armadas con enorme talento y creatividad, y copan las propuestas mas interesantes de este siglo, es difícil pensar que no siempre fue así el asunto.
En los años sesenta, tanto en la música popular como en la académica el mercado estaba controlado, casi con exclusividad, por hombres, y por supuesto la vanguardia no era excepción de este hecho. Por suerte apareció, surgida de entre metros de cinta y aparatos electrónicos en algún rincón de un programa radiofónico de la BBC, la enorme Delia Derbyshire, y todo fue diferente.

Conocida sobretodo por ser la creadora del tema musical de Dr. Who, se ganó el apelativo de escultora del sonido por su habilidad para manipular, mediante grabaciones e instrumentos sintéticos, multitud de ritmos y espectros sonoros, erigiéndose como una de las grandes representantes de la música concreta y electrónica y sobre todo por promover el uso de estos recursos en la música popular y darlos a conocer por el gran publico. Se requeriría todo un articulo dedicado exclusivamente a la vida y obra de esta figura, pero lo que hoy nos acontece no le atañe tan solo a ella.
White Noise fue formado en el año 1968 por David Vorhaus quien contactó con la mencionada Delia Derbyshire y el compositor Brian Hodgson, ademas del percusionista Paul Lytton y los vocalistas John Whitman, Annie Bird, Val Shaw para completar la formación. Un año después sacarían el primer disco, "An eletric storm", que también marcaría el fin de la colaboración de Delia y Brian con White Noise, no sin antes haber imprimido toda su personalidad en el sonido del grupo.
An electric strom comienza con uno de los cortes mas destacados del LP: Love without sound, que probablemente sea también el tema mas conocido de White Noise. Con una sonoridad algo oscura y etérea  basada en diferentes efectos para las voces y multitud de pequeños ruidos literalmente recortados y pegados  a modo de collage sonoro, un buen inicio para una obra maestra.
El segundo corte es también una excelente pieza de características similares a la anterior, con una percusión jazzera que por momentos se torna tribal y una orgásmica culminación vocal.
"Here come the fleas" toma una aire mas juguetón y desenfadado, contrastando con los anteriores temas, pero si perder la sonoridad marciana.
A partir de aquí encontramos de todo: temas de corte Beatlelesco, momentos de improvisación espacial y muchos, muchísimos efectos sonoros degenerando en una apoteósica culminación de percusiones, muros de sonido y voces de ultratumba que lleva por nombre "The black mass".
Sin duda alguna nos encontramos ante un imprescindible de todo amante de la música electrónica, un disco audaz y adelantado a su tiempo que no dejará de sorprendernos, y mas aun teniendo en cuenta el año en el que fue publicado.

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Clude Debussy (Parte 2)

Primera parte aquí

Una de las características de la composición de Debussy es la adición de técnicas y recursos externos a la música occidental, sobre todo de procedencia oriental. En la Exposición Universal de París de 1889 Debussy escuchó por primera vez la música para Gamelan de Indonesia, y quedo embelesado por las exóticas escalas y la complejidad rítmica de estos sonidos tratando de adaptarlos a su personalidad. Resultado de esto surge, a partir de la escala tradicional slendro, la escala hexatónica de tonos enteros, tan importante en la característica sonoridad impresionista y que le confiere un toque misterioso, suspendido, inconcluso, debido a que carece de centro tonal.
También gustaba mucho de otras escalas exóticas como las árabes, las chinas o la española, pero uno de los avances técnicos mas importantes que realizó fue la recuperación de los modos gregorianos que durante el barroco habían quedado reducidos a dos: Mayor (Jónico) y Menor (Eólico).
Armónicamente sobrepasó la utilización de los clásicos acordes de tríadas enriqueciéndolos con séptimas sin resolver, novenas y muchos mas recursos poco explotados hasta el momento: La selección de los acordes ya no venia determinada por las reglas de tensión/resolución si no con el objetivo de dar "color" a la obra.
Todo esto confirió a su música unas posibilidades sonoras mucho mas amplias que marcarían la evolución de la música francesa a partir de ese momento.

La sonoridad de esta pieza está caracterizada por la 

utilización de la escala pentatónica china.

A todo esto acompañaban numerosos recursos técnicos principalmente pianisticos, que es el instrumento en el que se formó Debussy y el mas utilizado en las composiciones impresionistas, como el uso exhaustivo de los pedales para crear atmósferas y una forma de ejecución cargada de matices y modulaciones, con una rítmica mas libre y cambiante que en otras estructuras mas rígidas y una utilización del rubato que permitía al interprete desarrollar algo personal y dinámico.

Ejemplo de la utilización del pedal de resonancia para 
conferir un aire etéreo y onírico.

Así, nos encontramos en el impresionismo ante una estética con identidad propia que marcó el final del romanticismo y el inicio de las vanguardias, que se desarrollarían bajo su influencia, por lo tanto no es arriesgado decir que el mayor representante de esta estética, Claude Debussy, es también uno de los compositores mas importantes e influyentes de la historia de la música, marcando un antes y un después de su obra y erigiéndose como uno de los grandes transgresores del arte occidental.

Prueba de la sonoridad líquida en la música de Debussy

Sibylle Baier - Colour Green (1973)

Hay historias que merecen que se les dedique unos instantes, y esta es, sin duda, una de ellas.
Sibylle Baier era una joven alemana que, como muchas otras de su generación, se había lanzado a explorar las posibilidades del amor libre y la vida bohemia del movimiento hippie. Así, mientras conciliaba con el sueño de ser actriz, pintora y poetisa, se dedico a emular a ídolos como Joan Baez grabando en su propia casa y acompañada únicamente de su guitarra, una serie de temas de Folk. Esto ocurría entre 1970 y 1973.
Después, y al igual que muchos en su generación que no se quedaban por el camino, abandonó la vida bohemia para convertirse en una ejemplar madre de familia, y esas grabaciones quedaron, junto con sus recuerdos, olvidadas en cualquier cajón.
No fue hasta el 2003, treinta años después, que su hijo se topo con estas grabaciones y, percatándose del tesoro que se encontraba en ellas, decidió enviarlas a J. Mascis, de Dinosaur Jr., Quien consiguió que las canciones fuesen publicadas bajo el nombre de Colour Green. Una historia con final feliz.
En el disco nos encontramos con típicas canciones folk de corte íntimo, con la cálida y familiar voz de Sibylle apoyada de unos acordes de guitarra seleccionados con muy buen gusto. Una música amable, fluida, modulada cuando se hace necesario, perfecta para esa tarde lluviosa que parece perderse en la indiferencia.
Quizás su único defecto es volverse ligeramente repetitivo, ya que no encontraremos ningún titulo que se salga de esta descripción, aunque hay uno que en mi opinión sobresale por encima de las demás: La melancólica The End.
En conclusión, un disco muy recomendable para los amantes del folk. Y con una historia que nos recuerda a otras leyendas como Bill Fay o Vashti Bunyan, que también se vieron renacer con el interés por el Folk surgido en estos últimos años.

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Claude Debussy (Parte 1)

Claude Debussy

Debussy, Debussy, Debussy... Su propio nombre ya evoca a su música y a las imágenes que intenta mostrarnos con ella: Fluidez, misterio, elegancia, fragilidad... virtudes omnipresentes en la extensa obra del compositor francés. Claude Achille Debussy nació el 22 de Agosto de 1862 en el seno de una familia trabajadora pero con intereses artísticos que desembocaron en la entrada del joven Debussy en el conservatorio de París donde obtendría buenos resultados. A partir de ahí su carrera estaría caracterizada por vaivenes de reconocimiento y rechazo que marcarían la personalidad del compositor. Al igual que cualquier artista que rompía con los esquemas establecidos por el academicismo para adentrarse en el progreso, Debussy se encontró en su camino con numerosos detractores que tachaban su música de disonante y aleatoria, y en realidad no iban del todo desencaminados. Amante del romanticismo mas transgresor de Wagner y del barroco francés  no se limitó a emular estas formas y asentó su carácter en la continua exploración musical y la búsqueda de nuevos y exóticos métodos de composición.

"Impresion, sol naciente". El cuadro de Claude Monet,
tocayo de Debussy, y uno de los mayores representantes
 del impresionismo, que dio nombre al movimiento.

Comúnmente vinculado al impresionismo musical, llevando prácticamente el titulo de representante unipersonal del movimiento no gustó, sin embargo, jamas de esta etiqueta, considerándose mas cercano al paisajismo de William Turner. A pesar de esto, las similitudes con el movimiento pictórico francés son mas que obvias. El impresionismo podría ser descrito con la frase de Stephane Mallarmé: "Pinta, no la cosa, si no el efecto que produce". Con esta premisa los impresionistas buscaban crear sensaciones en el espectador configurando una visión subjetiva aunque realista del paisaje y basándose en técnicas muy novedosas como la pincelada gestaltica, en la que, anticipando la psicología de la percepción , pinceladas independientes de colores puros formaban en la mente una figura uniforme. Elementos como el agua o la luz cobraban especial relevancia en este arte, siendo continuamente representados en sus obras, al igual que en la música de Debussy, cuyo gusto por lo fluido, lo efímero, le llevo a componer el tríptico sinfónico "La Mer" o el preludio "La Cathédrale Engloutie" con una obvia sonoridad liquida y marina. Otro de los puntos de encuentro entre Debussy y los impresionistas son los Simbolistas franceses como Baudelaire, Verlaine, Rimbaud o Mallarmé. Considerados como los equivalentes literarios a los impresionistas fueron continuamente referenciados tanto por los músicos como por los pintores de esta estética, de hecho la primera obra de Debussy de estética puramente impresionista (y por lo tanto la primera pieza impresionista) esta basada en un poema del mencionado Mallarmé.

El Preludio a la siesta de un fauno contenía ya todas las características de esta música, como la intima orquestación basada principalmente en instrumentos de viendo madera, arpas y cuerdas confiriéndole un carácter bucólico y juguetón ademas de ligero y etéreo. En esta pieza Debussy rompe con los esquemas tonales modificando a su antojo la modulación, algo que la hace parecer una pieza improvisada o libre cuando en realidad esta sometida a unas complejas normas compositivas carentes de las restricciones del tradicional sistema de cadencia tonal. Muchas de las técnicas que describiré a continuación ya se encontraban en esta pieza y son las que confieren al impresionismo una sonoridad propia, genuina y jamas escuchada anteriormente.

Continua aquí

Deux Filles - Silence & Wisdom (1982)

Deux Filles fue un efímero y casi desconocido grupo francés formado por el músico  compositor y productor Simon Fisher Turner y el escritor y productor Colin Lloyd Tucker. Juntos se embarcan en una epopeya musical interpretando el papel de dos indefensas jóvenes ocultas tras un trágico pasado.

En el amalgama sonoro de Deux Filles tiene cabida casi todo: Partiendo del Kraut menos rockero y de los inicios del ambient de Brian Eno o Vangelis mediante recursos minimalistas e instrumentos tanto sintéticos como acústicos nos ofrecen una propuesta personal, intrépida, pero audible para oídos minimamente experimentados, caracterizada por esas sonoridades etéreas que a mi tanto me gustan, voces tímidas y una composición detallada. Una música intima que se torna oscura en ocasiones, formada por retazos de múltiples ideas e influencias

Después de dos discos alabados por la critica aunque con poca repercusión, decidieron abandonar el proyecto y embarcarse en otros quehaceres, quedando Deux Filles condenado al olvido. Afortunadamente, gracias a medios de comunicación como Internet podemos tener acceso a la obra que nos lego Deux filles. Silent & Wisdom, junto con su segundo trabajo Double Happiness hará las delicias de los melómanos mas exigentes.
Advertencia: No apto para poperos.




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Jim Collins - Music performed by the high mass (2003)

¿Quién o qué es Jim Collins? ¿Que se esconde tras esa enigmática figura? ¿Por que no existe información en Google o Wikipedia? Ni siquiera Mutant Sounds es capaz de publicar mas que una breve y enigmática reseña. Un aura de misterio rodea este disco, algo muy apropiado si tenemos en cuanta lo que nos encontraremos en el: Una música tan misteriosa, oscura y aparentemente arcana como la identidad de su autor.

El disco comienza con un creciente sonido de pájaros que ya anticipa lo que vamos a encontrarnos. La ambientación juega un papel primordial en su característico sonido, ambientación que nos transportara a entornos oscuros, solitarios, con un deje de misticismo. Quizás un bosque caducifolio durante una templada noche otoñal, o esa sinuosa carretera de montaña siendo atravesada por un único coche, tal vez nos lleve a lo mas profundo de una pequeña caverna oculta en la maleza o el sótano de un viejo caserón abandonado; pero siempre de noche.

Oscuridad, y junto con la oscuridad el intimismo. Intimismo ermitaño, intimismo de aquel que no conoce la sociedad mas que por una leve intuición y decide, por libre albedrío o por obligación, apartarse de todo, incluso de la propia tierra.

El sonido que define el disco se podría describir como folk, psych folk o dark folk, en cualquier caso transgrede sin compasión estas etiquetas mostrándonos algo novedoso y muy personal, con una instrumentación tan intima como ecléctica: Una omnipresente guitarra acústica que por momentos parece que vaya a desaparecer, breves pasajes pianísticos, alguna canción con percusión, extrañas notas surgidas de alguna clase de flauta tradicional, variados pero no sobrecargados efectos sintéticos y de guitarra eléctrica, incluso en algún momento irrumpe un tembloroso órgano que suena de todo menos épico. Pero lo que destaca por encima o por debajo de todo ello es la voz, esa voz desquiciada y ultrareberberada que clama inquietantes insignias como "I wanna be just like Jesus" (solo quiero ser como Jesus) probablemente desde el fondo de un pozo o desde la habitación acolchada de un manicomio Guatemalteca. Todo aderezado con un perpetuo efecto de frituras de vinilo que da el rollo "antiguo" que necesita una obra así.

Por todo esto es recomendable escuchar el disco en unas condiciones especificas que no detallaré para no influir en una decisión mas bien personal pero que deberían acercarse lo máximo posible a los entornos descritos al principio. Seguramente necesitará un par de escuchas atentas para ser realmente apreciado, y una vez conseguido nos dejará en un estado que no es el mas apropiado para, por ejemplo, salir de fiesta, así que hay que ir con cuidado. Pero sobretodo tened en cuenta que os encontráis ante una autentica joya de la que solo pueden disfrutar unos cuantos "elegidos".

Explorando la red con algo mas de profundidad podréis ir encontrando breves pistas sobre la identidad del autor, pero no voy a anticipar nada ya que precisamente el misticismo que envuelve el disco es uno de sus encantos, cada uno que decida si buscar algo mas o permanecer en el encantador desconocimiento y puede que más adelante me lance a publicar algo de  información.

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Múm - Loksins erum við engin (2002)

Muchas de las propuestas musicales mas interesantes de los últimos años han venido cruzando el océano atlántico desde Islandia. Puede que la marginación geográfica y las temperaturas extremas estimulen la creatividad o que el decente sistema educativo favorezca la aparición de grandes artistas. También puede que sea gracias a la influencia de Björk, que dio un brillo de esperanza a la escena popular de la lejana isla. Bandas como los marcianos Sigur Rós, que influenciaron a toda una generación de post-rockers escandinavos el Trip Hop de Kúra, la "cara bonita" de Sóley, el intrépido Jóhann Jóhannsson, los desquiciados Reykjavík, la mencionada Björk o el grupo que hoy nos atañe: Múm (Como podéis ver, gustan mucho de las tildes en este país) que, en mi humilde opinión  consiguen destacar por encima de los anteriores.
Múm practican esa música etérea y relajada que tanto gusta en los países del norte dando un nuevo significado al concepto de folk, ya que la mezcla de instrumentación tradicional con recursos electrónicos podría considerarse a estas alturas un símbolo de identidad de la cultura musical islandesa y escandinava.
Esta es la edición en islandés de su segundo disco, antes había salido una edición con todos los temas en ingles, pero me pareció mas propicio presentaros el grupo en su lengua natal. Dicho trabajo se encuentra a caballo entre al experimentación Clicks and Cuts del primer disco y la sonoridad mas Pop de los siguientes, con temas inolvidables que te atrapan desde el primer momento con voces finas y cristalinas (Aunque el disco es predominantemente instrumental) y melodías inocentes basadas en instrumentos tradicionales navegando por encima de complejas bases rítmicas electrónicas en ocasiones, acústicas en otras.
Sin duda un imperdible para cualquier melómano que se precie, muy recomendable.

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Midori - Hello to everyone. Nice to meet you. We are Midori (2008)

Efectivamente, aquí están Midori. Y hacen notar su presencia desde el primer momento (O quizás desde el segundo): te aseguro que saltarás de la silla cuando la adorable Mariko descargue inaudibles palabras en tus perplejos oídos. Pero no estará sola, en la hazaña la acompañarán Hajime, desquiciado y sobradamente preparado pianista de corte freejazzero, una especie de Cecil Taylor puesto de anfetaminas; Yoshitaka Kozeni llevando el ritmo y dando un poco (pero solo un poco) de coherencia a esta locura; y Keigo Iwami con su brutal contrabajo distorsionado. Mariko se disfrazará de colegiala para darte la falsa sensación de inocencia y tranquilidad pero, ¡ay amigo! en japón un uniforme escolar no posee las mismas connotaciones que en la cultura occidental, Mariko utilizara esta premisa para, guitarra en mano y micrófono cerca de la boca, berrear hasta quedarse afónica escupiendo disonantes armonías y retorciéndose de placer siempre que le es posible. A lo largo del disco se van turnando los predominantes temas de Jazz esquizofrénico de aire oriental mezclado con el punk de garage mas salvaje frente a breves descansos basados en una imagen mas infantil,  una especie de perverso fetiche cuasi pedofílico.

Lamentablemente, después de siete años de carrera y varios trabajos dejaron de existir en el 2010, pero aun podremos deleitarnos de la abrasiva voz de Mariko con su carrera en solitario.

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Gallhammer - Gloomy Lights (2004)

Gallhammer, tres niponas contra el mundo. En un entorno liderado por andrógenos varones de largas melenas, estas chicas, de baja estatura pero muy mala leche, irrumpen en el mercado del Black Metal mas oscuro y nauseabundo "con gran venganza y furiosa colera" demostrando que no solo de testosterona vive el metal extremo. Se juntaron en Tokyo allá por el 2003 con la idea de "hacer canciones tenebrosas y simples", y vaya si lo consiguieron. A pesar de no tener ninguna experiencia previa en sus correspondientes instrumentos demuestran que la técnica se convierte en algo innecesario cando priman la imaginación y las ganas, muchas ganas, de hacer lo mas les gusta.

En este primer disco nos encontramos canciones oscuras, sucias, repetitivas y potentes, características esenciales de todo buen Black Metal, ademas se percibe una especial afinidad por el crust primitivo y el Doom mas denso, convirtiendo el disco en una mezcla en apariencia obvia pero poco explotada en la actualidad. Y muy efectiva. Su declarada admiración por Amebix, Hellhammer (Del cual extraen el nombre) y Burzum ya supone toda una declaración de intenciones. A pesar de moverse en unos estilos bastante limitados y ya explorados en tiempos arcanos, consiguen crear una atmósfera personal y hacen fluir todo el disco consiguiendo que cada canción posea identidad propia.
este es el disco mas ambiental, los siguientes adquieren mas potencia y velocidad, producto probablemente de un obvio crecimiento tecnico, y son igualmente recomendables.

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