Soft Machine - The soft machine (1968)

A continuación voy a reseñar un disco que en mi opinión es uno de los mejores de la historia del rock. Soft machine fué uno de los grupos pioneros de lo que acabaría conociéndose como "Sonido Canterbury", caracterizado por la fusión del Rock psicodélico y el Jazz de corte vanguardista. Se formó en 1966 a partir de Wild Flower, grupo del que también saldría Caravan, otro de los grandes representantes de esta escena.

Sus miembros estaban muy influídos por el jazz de vanguardia, y su sonido recuerda intensamente al Coltrane de los años 60. También podemos encontrar en su musica a los Beatles y la música psicodélica de Jefferson Airplane o Grateful Dead, coincidiendo con estos últimos en las largas improvisaciones lisérgicas, con esa tendencia a dejar fluir la música y permitir que esta hable, sin necesidad de acelerar la llegada a un punto determinado. Esta tendencia, tán presente en el jazz de vanguardia y en los conciertos de rock de la época no estaba aún demasiado explotada en los álbumes de estudio, y es este elemento, fruto de la unión entre espontaneidad y cálculo, lo que confiere al disco un aura especial, llevada al paroxismo por la producción de Tom Wilson, que había trabajado con múltiples bandas y músicos vinculados a la vanguardia como Frank Zappa, The Velvet Underground, Cecil Taylor o Sun Ra.

El trabajo comienza de manera íntima y espacial para embarcarse en un in crescendo en el que Robert Wyatt, batería y voz principal, juega con armonías y chucherías rítmicas vocales posibles gracias a las maravillas del estudio y que serán norma a lo largo del LP. También nos encontramos a Mike Ratledge con su órgano ceremonioso, en ocasiones circense, similar al que practicaban por aquél entonces bandas como The Animals, tomando a veces un cariz de pop barroco como en la fantástica "A certain kind". Y cerrando el trío tenemos el bajo de Kevin Ayers, que proporciona coherencia al conjunto.

Este es uno de esos discos que debe ser escuchado de principio a fin, por supuesto hay muchas canciones que tienen valor por sí mismas, pero la suma de todas ellas es algo mucho más grande. Los amigos de Soft Machine ya sabían esto y decidieron que sería buena idea hacer que todos los temas enlazasen hasta el punto de que a veces no se distingue con precisión donde acaba uno y comienza el siguiente.

Tras este album el grupo se disolvió, volviéndose a juntar poco después y sacando varios discos más a lo largo de los 70. En los siguientes trabajos los desvaríos psicodélicos y freejazzeros van tomando protagonismo, derivando a veces en una masa sonora de la que es dificil sacar algo en claro, aunque de todos ellos se puede extraer alguna joyita. Eso sí, este primer trabajo no sería superado.

 

Monika - Exit (2010)

Mónica. Siempre que oigo este nombre me viene a la cabeza el homónimo tema de Módulos, pero esto no viene al caso. Monika, con "K", es una cantante griega (De ahí la "K") de Pop y Neofolk. De entrada no hay nada novedoso en su música: Arreglos elaborados, instrumentación íntima basada sobretodo en la guitarra y el piano, harmonias vocales tipo Simon & Garfunkel... Pero Monika aporta dos cosas que convierten esto en una propuesta personal y llamativa: Una fabulosa voz capaz de realizar fantásticas modulaciones de manera muy expresiva y la incursión de diferentes elementos de música tradicional griega y balcánica, aunque de manera bastante tímida.
Se estrenó en el 2008 con Avatar un disco de gran calidad que ya apunta maneras gracias a temas como "Babe", "Obsession" o "Over the hill", cosechando un enorme éxito.
Su segundo trabajo hace gala de un mayor eclecticismo y algo más de influencia de música tradicional griega, como el Rembétiko, aunque sin perder de vista el pop exquisito que la caracteriza.
Los primeros temas del disco son maravillosos, no podría haber comenzado de mejor manera, como ya nos anuncia el primer corte, "Ça commence bien", donde nos expresa de la mejor manera posible que ella no es invisible. "Never" es un gran tema de Pop, de esos de emocionarse, que no aporta nada nuevo pero a la vez sorprende. El tercer corte es mi favorito, sobretodo por la utilización de la voz, que recuerda a las modilaciones cromáticas del Rembétiko y de otras músicas del medio oriente, y es aquí donde explota al máximo sus posibilidades. A partir de aquí decae ligeramente, aunque manteniendo un nivel de calidad considerable.
Hace unos meses sacó su tercer trabajo "Secret in the dark". Habrá que echarle una oreja...

Pharmakon - Abandon (2013)

Suelen decir que las apariencias engañan, pero me parece que viendo a Margaret Chardiet, artífice de Pharmakon, nadie podría siquiera intuír lo que va a ocurrir en su performance: Rubia, ojos azules, guapa, pequeñita... casi podría formar parte del elenco de alguna serie para adolescentes de Disney Channel. Su música, en cambio, no tendría cabida entre el pop de consumo que produce la magnánima cadena televisiva. No, Pharmakon no es pop, ni nada que se le parezca. Las influencias de Margaret para este proyecto podrían abarcar el Harsh Noise más siniestro de Merzbow, el power electronics de los años 80, el industrial extremo de Throbbing Gristle o White house, la música de trance, el Drone o incluso el black/doom metal. La música esta conformada unicamente por elementos electrónicos aderezados con una particular forma de utilizar la voz, y es que Margaret se desgañita con cada frase mientras traza una música milimétricamente calculada, con un sonido mucho más depurado que sus antecesores ochenteros, mediante recursos minimalistas, efectos de reberb y delay, loops y muros de ruido blanco. También encontramos muchos contrastes entre frecuencias muy bajas y muy altas, creando un ambiente extremadamente opresivo y denso.
Debo incluir este disco en la categoría de "peligroso": En primer lugar, no es una música de facil escucha, probablemente habrá que pasar un proceso de acomodación antes de ser capaz de apreciar tal obra. En segundo lugar, es una música muy absorvente e invasiva, no es algo para poner de fondo, requiere atención, y cuando has empezado a escuchar el disco te atrapa de una manera que no lo consiguen muchos discos.

Este es su primer disco, y en mi opinión uno de los mejores lanzamientos del 2013, entrando por la puerta grande a formar parte de esa oleada de jóvenes féminas que abrazan lo oscuro y lo bizarro y lo hacen suyo. Sin duda nos encontramos ante una musa del underground que dará mucho que hablar en los próximos años. ¡Disfrutadla!

Entrevista a Unicornibot

Unicornibot es una agrupación surgida de los húmedos bosques pontevedreses y formada por cuatro personas ocultas bajo sendas máscaras de papel de plata. El pasado Septiembre publicaron su tercer trabajo, de nombre Mambotron, nombre más que acorde con la naturaleza raruna de la banda. En él nos encontraremos rock matemático del bueno: Milimétrico, marciano, explosivo, demente. Pero mejor dejémonos de prolegómenos y que nos lo cuenten ellos mismos.

Para empezar, Una pequeña presentación. ¿Quienes sois y de donde venís?

Mejor te lo cuento:

“Oye, creo que hay por ahí un bajista que lo peta mogollón y es ingeniero. Podríamos decirle que se venga a tocar con nosotros por dos bolas de opio diarias. Creo que encaja en nuestro perfil. Eso sí, con un guitarra más, perfecto”

“Espera que yo conozco uno que es enfermero y nos puede curar las heridas cuando nos caigamos, lo único malo es que no le gusta nada beber, a ver si lo convencemos.”

“Vale Alex, pues cuando yo me escape del manicomio te paso a buscar por el monasterio de los franciscanos, te quitamos el hábito y tocamos habitualmente los cuatro”.

Creo que poco mas que añadir.

¿Podríais explicarnos un poco que es eso del Rock Matemático? ¿Algunos ejemplos interesantes?

El rock matemático es una etiqueta que se nos ha colocado de la cual, sinceramente, sudamos bastante. A mi modo de ver, no creo que hagamos rock matemático, es mas una mezcla de como nos sintamos y que hayamos escuchado al sentarnos a componer. Es cierto que nos gusta, y mucho, buscarnos las cosquillas y por eso hacemos las cosas “diferentes”. El rock matemático es un estilo de música que consiste en buscar estructuras anidadas que aparentemente no tenga mucho sentido pero al final si lo tienen. Bandas interesantes, pues a nivel nacional, ZA, Betunizer, Picore, Joe k-plan por ejemplo. Y internacionales pues Don Caballero Referente, Hella, Crime in choir... hay muchas.

¿Estáis contentos con el resultado de la grabación del último disco? ¿Han surgido problemas de alguna clase durante la realización del mismo?

Problemas siempre y contentos siempre. En este disco hemos tenido mas tiempo para poder pararnos a corregir errores y dejar espacio libre para la mezcla. Nunca nos cansaremos de decir que nuestro gurú Javier Ortiz y su nave espacial ESTUDIOS BRAZIL en Madrid hace que grabemos de una manera muy libre y distendida. A mi personalmente no me gusta nada grabar, pero se que es un paso indispensable a la hora de darte a conocer. Javi nos conoce muy bien y sabe como hacernos sentir cómodos.

En mi opinión, encima del escenario hacéis alarde de una técnica instrumental impecable y muy eficaz: ¿Como aprendisteis a dominar vuestros instrumentos?

Muchas gracias. La verdad es que no creo que los dominemos mucho, mas bien nos dominan ellos a nosotros. Yo soy partidario de que un directo es 60% ejecución 40% expresión. La mejor manera de hacer que la cosas salgan bien es disfrutar de ellas cada segundo y eso es lo que hacemos en directo. También es cierto que pasamos mucho tiempo en el local trabajando los temas para que en directo suenen tal y como queremos. El licor café también hace su trabajo.

Creo que prácticamente no habéis parado de girar desde el lanzamiento de vuestro anterior álbum, Dalle. ¿Que tal es la experiencia? ¿No os cansáis?

La verdad es que es muy enriquecedor tocar en muchos lugares y no parar de conocer gente. Mientras podamos subirnos los cinco ( Fan de baiona te incluyo) a la furgoneta y salir a tocar, creo que nunca dejaremos de hacerlo. 
 

La experiencia es demasiado extensa para poder contarla en una entrevista. Solo decirte que cada vez que salimos a tocar, llegamos sin casi dormir, cansadísimos y con horas y horas de furgoneta. Eso sí, llegamos a casa con una sonrisa kilométrica.

¿Se encuentra ya recuperado el micro de caja al que golpeaste sin piedad durante el videoclip de Abril Cerrar (1' 20" del vídeo) o aún esta en cuidados intensivos?

JAJAJA. Creo que si. Shure me ha mandado una citación en el juzgado por daños y prejuicios. Supongo que llegaremos a un acuerdo. Creo que hace poco salió del hospital totalmente recuperado. Menos mal que tenemos un seguro a todo riesgo.

Habéis incluido o pensáis incluir algún instrumento que no forme parte del clásico combo de rock (Guitarra, bajo y batería)?

Estamos abiertos a todo. Desde el principio siempre se ha intentado hacer cosas (voz, teclados) pero nada funciono. Lo que si puedo decirte es que seguiremos buscando opciones.

¿Podéis recomendarnos algunas músicas que os hayan llamado la atención últimamente?

Escuchamos de todo. Me voy a centrar a lo que normalmente escuchamos en la fuga. Femi Kuti siempre nos acompaña, Staer también nos gusta mucho, Toe nunca falla, y tuvimos la suerte de escuchar la mezcla del nuevo disco de Niño Señora que es BRUTAL!!!.

Se que esta pregunta esta un tanto trillada, pero en estos tiempos se hace necesaria ¿Cual es vuestra relación con la distribución musical por Internet? ¿Que opináis de las descargas ilegales?

No puedo hablar por el resto de bandas, pero si puedo hablar por Unicornibot. A nosotros nos ha dado muchas opciones para seguir y difundir nuestra música desde casa. Creo que es un canal muy valido y factible. Lo que hay que hacer es trabajar muy mucho los discos para que la gente tenga ganas de escucharlo y venir después al concierto.

¿Lo de ponerse papel de plata en la cabeza es un intento de comunicarse con formas de inteligencia superior?

Intento? Lo hacemos cada día que nos lo ponemos. Hemos conocido gente de Ganimedes, Melmac Vulcan y yo tengo una relación con una eso. Espero pronto poder presentarla en sociedad.

¿Que es lo que hace que en Galicia exista una de las mejores escenas musicales del estado español? ¿Quizás el frio y la lluvia, o algo raro que le echáis a la Queimada? Habladnos un poco de esta escena.

Creo que todo lo que has dicho influye. Las bandas gallegas tienen cada vez mas presencia en España y es por hacer las cosas bien y comer mucha mierda para hacerse conocer. Creo que aun no existe una “escena” propiamente dicha, pero si cada vez hay mas bandas divertidas. Toda la gente de matapadre (disco de las palmeras, guerrera) están haciendo mucho ruido y la meta movida ( cro!, es un árbol, buogh, orquesta, etc) es puro amor.

¿Cual ha sido la mejor experiencia en vuestra carrera como músicos? Ya sabéis, alguna anécdota de conciertos, grabaciones...

Hay muchas. Creo que la mejor de todas es poder seguir tocando en sitios cada fin de semana y que la gente te diga “joder tío, se me ha hecho corto. Tenéis que volver”. La mejor experiencia sin duda.

¿Como veis el futuro de la música?

Malito, muy malito. Es muy difícil tocar cuando a la cultura no se le da ninguna importancia. Me preocupo mas por la gente que esta empezando con muchas ganas y se le cierran las puertas. Nosotros, por suerte, mas o menos ya llevamos molestando tiempo y eso nos da mas seguridad. Animo a todo el mundo que quiere tocar.

A pesar de practicar Math Rock, un género que, aunque probablemente se encuentra en su mejor momento, no deja de ser algo bastante underground, habéis conseguido participar en grandes festivales como el Primavera Sound 2012. ¿Os sorprende vuestro éxito? ¿Como os lo habéis tomado?

Otra de las cosas que tenemos muy claro, y creo que tu has tenido el placer de disfrutar, es que nuestro directos son iguales para 2, 200, 2000 personas. Eso es de lo que estamos mas orgullosos. No sé si el “éxito” nos viene por ahí o porque somos jodidamente irresistibles, podría ser por las dos cosas.

¿Que otros proyectos tenéis los miembros del grupo?

Bueno Gon tiene una banda que saca en breves disco (OJITO) que se llama “Djalminha”. Toño tiene un proyecto que se llama “Marrones burócratas” y Alex esta metido en diversas bandas “cuchillo de fuego” que acaban de grabar hace poco, y proyecto personal sin nombre que también dará mucho de que hablar. Yo estoy inmerso en un puzle de 5000 piezas que me quita todo el tiempo libre. Soy el único que no tiene nada mas, también hablamos de 5000 piezas y aun no he colocado ni las esquinas.

Ahora, una preguntita onírica que siempre suelo hacer: ¿Podéis relatarnos algún sueño interesante que hayáis tenido últimamente?

Que difícil. Yo creo que hemos cumplido ya muchos. Hacer gira Europea es uno de ellos, tocar con muchos amigos juntos en un día (festunizer). Por pedir, yo creo que esta claro, SALTAR EL CHARCO.

¿En qué os inspiráis a la hora de seleccionar los nombres los temas?

La mayoría de los nombres son momentos, situaciones y personas que participan o participaron en algún momento de Unicornio. Es cierto que al ser instrumental, los nombres tienen muy poco peso, mejor estupideces siguiendo la línea.

Bueno, me gustaría dedicar unos instantes a un tema en concreto: El Liceo Mutante es un espacio cultural situado en Pontevedra y en el que los miembros de Unicornio se encuentran implicados. Yo tuve el honor de tocar allí cuando empezaban hace ya unos años, y me parece una de las iniciativas mas interesantes que se han realizado en el panorama cultural estatal últimamente. Tengo constancia de que hace un tiempo surgieron algunos problemas legales alrededor de la realización de conciertos. ¿Cual es la situación actual de la asociación?

El Liceo Mutante es una asociación sin animo de lucro que representa el murmullo y la inquietud de muchas personas de nuestra cuidad. Unicornibot forma parte de este colectivo de forma activa, pero os puedo asegurar que hay muchas mas cabezas pensantes en este proyecto que trabajan día tras día para que esto no se quede en un claro en este mar de nubes. Desde aquí quiero reivindicar esas caras y cabezas por su honorable trabajo y que nunca les falte animo para seguir. VIVA EL LICEO MUTANTE.

A los tuyos los esperamos siempre. Prevalente nunca hizo tanto calor en el Liceo en un bolo.

¿Como surgió la creación del Liceo Mutante? ¿Fueron duros los inicios?

La verdad es que si lo fueron. Muchas ganas y pocos recursos, cosa que pasa muy a menudo. Se trabajo duro para poner Pontevedra en el mapa y que las bandas quisiesen venir por aquí a tocar y ver que somos buena gente. Ahora la cosa esta mejor, pero aun falta mucho trabajo que hacer. Seguiremos luchando y haciendo cada vez mas grande nuestro pequeño rincón en el infierno.

¿Que clase de música y otras manifestaciones artísticas nos podemos encontrar en el Liceo Mutante?

Desde exposiciones de todo tipo (fotografía, pintura) , teatros, cine, talleres de manualidades, etc. No nos cerramos a nada. Cualquier manifestación cultural que pueda enriquecer nuestras ganas de aprender mas cosas es bienvenida.

¿Podríais avanzarnos un poco el futuro de Unicornibot? ¿Que próximos planes tenéis?

Creo que si le preguntamos a Sandro, gran vidente mejor persona, ni el sabría que nos depara el futuro. Yo creo que seguiremos haciendo lo mismo que hemos hecho hasta ahora: “tocar, tocar, tocar, conocer sitios y gentes, beber licor café y seguir tocando”.

Para finalizar me gustaría que os hicieseis vosotros mismos una pregunta, algo que penséis que haya quedado fuera del tintero y que os gustaría que os preguntasen. Y por supuesto que os la respondáis vosotros "mismos".

Pues una pregunta que nos gustaría que nos hiciesen es : si no tuvieses mas opción: ¿Bocata de arena o bocata de pelo?

Yo no puedo contestar por todos, y es mas una pregunta para que reflexionéis sobre vuestros limites culinarios.

Bueno, pues hasta aquí la entrevista, muchas gracias por todo, y si queréis añadir algo, este es vuestro momento.

Bueno primero pedirte perdón en mi nombre (Guillermo) por no haber contestado antes a esta entrevista, espero que haya sido de vuestro agrado las letras impresas y que estamos a vuestra disposición siempre que queráis.

MILLONES DE GRACIAS

http://dotheunicornibot.bandcamp.com/

http://www.liceomutante.com/

Soap & Skin - 2009 - Lovetune For Vacuum

Hasta hace relatívamente poco las mujeres en la música popular tenian un papel bastante pequeño: Normalmente se encontraban amparadas bajo el dominio de hombres y productores; o eran utilizadas como maniobra comercial; o formaban parte de movimientos cuya principal característica era que eran mujeres. No es hasta principios de los 90 que surge una oleada de féminas cargadas de iniciativa y creatividad que toman realmente las riendas de su carrera sin que esto suponga una sorpresa ni un aliciente comecial: Eran grandes artistas por sí mismas y como artistas, no como mujeres. Esta oleada cuenta con nombres como Björk, PJ Harvey, Fiona Apple, Cat Power, Tori Amos, Alanis Morissette...

A lo largo de los 90 y los 2000 muchas han seguido la estela
de las antes mencionadas y en este contexto aparece la joven austríaca Anja Plaschg, encarnada en su proyecto Soap & Skin, que nos trajo en 2009 una de las sorpresas más sonadas del año y un debut digno de pasar a la historia. Contaba con tan solo 18 años cuando salió el album, y ya és muestra de una madurez enorme y una gran sensibilidad a la hora de componer y de hacer arreglos.
Estos arreglos estan normalmente basados en el empleo de diversos efectos sintéticos tipo clicks and cuts flotando alrededor del piano de Anja, que supone la base de todo junto con su voz de mezzosoprano, muy cálida y expresiva. El album está compuesto por una música bastante oscura, casi depresiva algunos ratos y más melancólica en otros. Mi corte favorito es Thanatos, pero resulta dificil destacar algo en concreto en un disco tan redondo donde no sobra nada. Escuchadlo que vale mucho la pena.

Bill Fay - Time of the last persecution (1971)

Quizá el fiel seguidor de este Blog (Como si este blog tuviese seguidores) recuerde la historia de la cantautora Sibylle Baier, que después de toda una vida de anonimato, se encontró con el reconocimiento al ser publicados en 2006 una serie de temas que ella había grabado a principios de los setenta. Algo similar le ocurrió a Bill Fay, un músico inglés que a principios de los setenta decidió aprovechar la última bocanada de aire que le quedaba al folk/rock intimista grabando dos geniales álbumes editados por el sello Deram en 1970 y 1971. Lamentáblemente ese último empuje del folk no pudo superar la estampida de geniales bandas que se cultivaban en el huerto del rock duro y el rock progresivo. Así, y al igual que muchos otros músicos de su generación, Bill Fay vio como su música se perdía en el olvido y fue abandonando la esperanza de vivir de ella para encomendarse a otras labores.
Lo que él no sabia es que se estaba forjando una leyenda, pues su trabajo, y en particular el disco que hoy nos ocupa, se estaba convirtiendo en un material de culto y era aclamado por artistas de primer nivel como Nick Cave, Current 93 o Wilco. Es por esto que a mediados de la década pasada fue redescrubierto y consiguió lanzar una serie de recopilatorios y rarezas que culminaron en la grabación, después de 41 años, un nuevo álbum, Life is the people, considerado por muchos uno de los mejores trabajos del 2012. Aunque después de eso decidió regresar a sus quehaceres habituales optando por no disfrutar de su nueva posición, al menos ha logrado, al fin, el reconocimiento que merecía.

El segundo disco que grabó, Time of the last persecution, es una auténtica maravilla. material de culto y sin duda uno de los mejores lanzamientos de 1971, que no es decir poco. Como ya he mencionado, se trata de folk rock en la estela de Bob Dylan y similar a muchos otros cantautores del momento como Donovan o Nick Drake. Un folk introspectivo y melancólico, que por momentos se torna verdadéramente oscuro y pesimista, pero siempre con un haz de esperanza.
Todo el disco esta dominado por el piano y la expresiva voz de Fay, que en ocasiones ceden el control a unas caóticas guitarras eléctricas y saxofones de corte Crimsoniano (Vease King Crimson) pues algo que hace destacar este disco por encima de otros folkies de la época es la mayor influencia de sonoridades progresivas tan en boga por aquel entonces i que convierten este trabajo en algo único y muy personal.
La temática letrística toma referencias bíblicas para conferir, en conjunción con la música, un carácter apocalíptico que se desarrolla a lo largo del álbum para culminar en el tema que da título al mismo y, en mi opinión, el mejor del disco.

En definitiva un gran disco de un autor de culto que esconde una magnífica historia digna de una película hollywoodiense.

Shizuka - 1994 - Heavenly persona

A finales de los años 80 y principios de los 90 surgió en japón una oleada de grupos enmarcados dentro del Japanoise pero con una mayor influencia del Rock y un sonido basado en las guitarras i otros instrumentos más convencionales dejando de lado los sintetizadores y máquinas de ruido tan propios de esta estética. Ademas, muchos de estos grupos se encontraban bajo el amparo Keiji Haino, figura esencial del noise japones. Shizuka fue uno de estos grupos que surgió a principios de los 90 llegando a sacar cuatro LP's y dejando su marca en el underground japones. Este fue el primer disco que sacaron y quizas el que imprime con mayor fidelidad la personalidad de la banda.
Shizuka es contraste, algo que ya se intuye por la enigmática portada, que nos muestra a una joven de aspecto angelical, que evoca paz e inocencia, acechada por dos extraños personajes que parecen esperar su oportunidad con una estoicidad inquietante. Todo esto en el marco de una fotografia basada en tonos frios, melancólicos y estáticos pero con un efecto de distorsión, como si fuese un televisor que en breves va a perder la señal. Como si fuese a pasar algo de repente que alterase la tranquilidad en pos del kaos y la destrucción.
Por que Shizuka es el cielo y el infierno, lo calmado y lo ruidoso, lo frio y lo caliente, ardiente incluso. En su música irán alternando, a veces en la misma canción, partes relajadas, etéreas, melancólicas, con tendencia a alargar las notas; con un desenfrenado noise de garage rápido y esquizofrénico. Todo ello ejecutado por Shizuka, encargada de la voz y la guitarra, ademas de poner nombre al proyecto i encargarse del concepto del album, de la composición y de las letras; y el bateria Jun Kosugi. A ellos se les suman algunos colaboradores puntuales, tanto en este como en los siguientes discos, pero el núcleo de la banda esta tan solo formado por estos dos componentes. Shizuka se expresa con una voz suave, de tintes infantiloides normalmente acompañada de sencillos acordes en la guitarra. En las partes más etéreas son suficientes dos o tres acordes que irán desarrollandose a lo largo del tema. Otras veces estalla en minimalistas punteos de guitarra muy dados al dramatismo cuando no se encuentra inmersa en las caoticas improvisaciones durante las que hacen honor a la etiqueta noise.
Un grupo sorprendente y muy recomendable para los amantes de las extrañezas.

Entrevista a Cráneo Prisma

Nuevamente me he pasado una barbaridad de tiempo sin actualizar este blog. Aunque tengo varios discos pensados y preparados para reseñar no encuentro el tiempo ni la inspiración necesaria para hacerlo como me gustaría. He pensado en como solucionar este asunto y creo que cumpliré la amenaza expuesta en un post anterior de ampliar horizontes y publicar otro tipo de contenido, aunque siempre de índole musical.

Para comenzar esta nueva etapa colgaré una entrevista que realicé hace un tiempo para el segundo número del fanzine Penumbra, pero como de momento no verá la luz publicaré la susodicha entrevista aquí para que no quede abandonada en un cajón de mi disco duro.

La entrevista es a un joven de Cadiz conocido, entre otros nombres, como Cráneo. Pero leyendo lo que viene a continuación podremos saber más de él y de su trabajo.

Primero que nada haz una escueta presentación.

En casa me llaman Fran y aunque parezca lo contrario no tengo mucho tiempo libre, solo que lo distribuyo bien, en vez de salir de cañas o de botellón prefiero quedarme en casa pintando, haciendo música, abrazar a mi señora o jugar con mi gato.

¿Te consideras un “artista”? ¿Qué opinas de esta definición?

Bueno, es una pregunta difícil, ha ido por rachas, actualmente creo que si, naturalmente es una definición extraña la del diccionario de la real academia de la lengua española, mejor no hacerles mucho caso. Yo creo que un artista es aquél que es capaz de filtrar información, información que recibe a través de los sentidos y que después la hace salir transformada con su particular visión de las cosas, podríamos comparar a un artista con un filtro de estos que purifican el agua, me encanta esa definición. Ahora que estudio artes lo tengo mucho más claro, la técnica no es más que una muleta, que a veces incluso se carga el filtro, cada vez creo menos en el academicismo, personalmente lo veo como una manera de estropear lo que verdaderamente somos capaces de representar, eso si esta cualidad no se ha quebrantado con el paso de los años, los colegios tienen la habilidad por decirlo de alguna manera de hacer desaparecer esto, si no ha desaparecido esa aptitud en ti es que realmente eres especial.

¿Que podrías recomendarnos acerca de ultimas tendencias musicales?

Pues he descubierto un dúo/trío a veces de kraut muy ácido que se llaman Bitchin Bajas, pegan bien si te apetece englobarte un poco, Formación del espíritu nacional de Negro, es un disco inspirador lleno de matices y curiosidades; FUZZ, un proyecto de Ty Segall que por lo visto está dando mucho que hablar, tienen un sonido brutal, como si mezclases a los primeros Black Sabbath con Jimmy Hendrix; o Mylets, que es un joven nerd que hace un math rock con tintes emo muy pero que muy chulo.

¿Podrías contarnos algún sueño interesante que recuerdes?

Justo hace dos días soñé que un buitre gigante me perseguía por una azotea, yo lo veía llegar de lejos y sentía pánico, empecé a correr pero me dio un picotazo en el codo.

También soñé que era una especie de orangután gigante pero con mi cabeza y mi cara, solo tenía el cuerpo de este y me balanceaba por unas lianas que colgaban de unos postes telefónicos enormes.

¿Qué te dice la frase “El arte tiene la bonita costumbre de echar a perder todas las teorías artísticas.”?

Pues que de arte no hay nada escrito y como dicen en mi tierra, el arte es morirse de frío.

¿Lees fanzines? En realidad ya se la respuesta ¿Que opinas de ellos?

Por supuesto que si, era obvio, hace un tiempo pero tampoco tanto, descubrí una librería contraculturas donde hay unos libros súper interesantes, además de fanzines, es hipnótico pasearte por esa pequeña habitación ver fanzines colgados de cuerdas de tender, es pequeña, pero tiene libros hasta en las grietas de las paredes, es genial, me pillé unos cuantos fanzines, el que más me gustó no era exactamente un fanzine, si no un catálogo de una exposición de un artista vasco llamado Blami, fue todo un descubrimiento.

Los fanzines son estrictamente necesarios, necesitamos sacar todo lo que tenemos en la cabeza, sobretodo lo interesante es la amplia variedad de temas que existe, así que recuerde, uno que me llamó mucho la atención, me lo intercambié con una chica americana que no recuerdo muy bien ahora de donde era exactamente, pero hablaba de experiencias con fantasmas y contaba varias experiencias que había tenido con estos en los apartamentos en los que había estado viviendo, inquietante es poco.

¿Cual es tu libro favorito?

Otra pregunta difícil, como no tengo un libro favorito si no muchos te diré uno que me estoy leyendo ahora y otro del que guardo un buen recuerdo.

Actualmente leo "La niña del pelo raro" de David Foster Wallace, llevo como unos seis meses leyéndomelo, no es que sea pesado si no que se me olvida y cierto es que no estoy muy lector últimamente, pero a veces le pego un adelanto, son relatos cortos, el amigo que me lo recomendó me dijo que es math rock literario, jamás escuché una definición tan buena sobre un libro. Y del que guardo un buen recuerdo es "Tentativa" de Dennis Cooper, dicen que es el hijo bastado de Burroughs, escribe sobre jóvenes putas homosexuales, otro amigo mío, el que me prestó el libro, me dijo que si lo que escribe Cooper tuviese un olor, sin duda alguna sería olor a culo.

¿Qué te ha llevado a hacer la música que haces actualmente?

La falta de gente con similitudes musicales a las mías y que soy un culo inquieto.

¿Existe una nutrida escena alternativa en tu zona, o es como en todas partes?

La verdad es que no, en San Fernando, mi pueblo, acabé conociendo a gente con gusto musicales más menos similares a los míos pero nunca he encontrado algo cien por cien afín, pero eso no quita que haya habido buenos grupos, Henry es lo más parecido a grupo que escucharía en mi mp3 y en casa y tan parecido, como que eran buenísimos, hacían post rock a finales de los noventa y un post rock riquísimo, muy buen gusto a la hora de componer, al final los he acabado conociendo a todos los integrantes y con algunos tengo muy buena relación e incluso hemos formado grupos, anteriormente eran sos y empezaron haciendo hardcore melódico que fue mutando a post hardcore y a indie, siempre core. También están los Commonplaces, grupito de post math rock de colegas también, o Bu, que es el guitarra de Commonplaces haciendo dronedelias, teníamos un grupo llamado Buzo, algo hay por ahí por la red.

¿Podrías explicarnos que entiendes por minimalismo y darnos algunas referencias?

Minimalismo es hacer mucho con poco y sobretodo hacerlo bonito, Blami, el vasco del que antes hablaba es un buen ejemplo, o también está Cody Hudson, en cuanto a música hoy mismo me han pasado un dúo de electrónica precioso que se llaman Tonto´s expanding head band que tienen un sonido minimalista, sencillo y muy colorido.

¿Cual es tu opinión acerca de las etiquetas “vanguardista” o “experimental”?

Pues que como todas las etiquetas ahí están, o pasamos de ellas o las seguimos a rajatabla o lo que yo creo más firmemente, es que sirven para nutrirse y apoyarse, acojo todo en esta vida.

¿Como ves el futuro de la música? ¿Y del arte en general?

No me suelo plantear este tipo de cuestiones, supongo que irá muy bien, en tiempos de crisis dicen que surgen los grandes artistas, yo creo que se va a liar mucho y esto dará lugar a nuevos horizontes sin duda y la música, si siguen inventando cacharritos geniales y la gente sigue fabricándose y explorando circuitos, imagino que irá de puta madre.

¿Música vocal o instrumental?

Instrumental desde luego.

¿Moderno o clásico?

Moderno, soy un hipster no lo puedo evitar.

¿Perros o gatos?

Gatos, tengo una que es genial, su nombre es Júpiter, pero la llamamos pollo.

Haz un poco de publicidad sobre tus últimos proyectos

Te vas a arrepentir de haberme preguntado esto (risas), pues tengo muchos, lo último que he hecho ahora mismo es un EP de Holögrama, mi proyecto de kraut en solitario, dura como quince minutos y estoy buscando un guitarrista para llevar el proyecto al directo, lo estoy buscando en Granada que es donde vivo actualmente, si algún lector de Granada está leyendo esto ahora mismo no dude en comunicármelo, no sea tímido.

También ando liado con una serie documental acerca de artistas que me inspiran, se llama Show me project, lo podéis ver en Vimeo, el primer episodio está subido y ahora estoy en búsqueda de nuevos artistas inspiradores, ya que en mi pueblo tengo un par de ellos pendientes pero hasta que no baje no puedo hacer nada.

Estoy intentando apañarme las habichuelas también con algunos cuadros, estoy haciendo unos cuadritos muy pequeños a acuarelas y tinta que los llamo pueblitos, son formas geométricas locas con puertas, escaleras y ventanas, arquitectura imposible.

Además hago un cómic de historias cortas y un par de fanzines que tengo a medias, uno de geometrías y objetos encontrados y otro de fotografía.

¿Alguna última reflexión?

Bueno, no se me ocurre mucho tampoco, diré que no es necesario comerse un tripa para hacer cosas psicodélicas, pero tampoco está mal del todo. También que no está mal ojear en el pasado televisivo y ver series españolas de los noventa.

Para finalizar esta entrevista te voy a pedir que te hagas a ti mismo alguna pregunta y te la respondas, algo que te habría gustado que te preguntasen o que se haya quedado fuera del tarro.

¿Eres más de culos o de tetas?

De tetas.


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Me han vuelto a suspender la cuenta de mediafire, así que nuevamente no hay ningún disco para bajar. Cuando pueda volveré a subirlos, esta vez en otra página de descargas. De paso voy a colgar el enlace a una entrevista que he hecho a Rodrigo Mercado (hijo de Rosendo Mercado) Para la página web Rock in Spain, por la salida de su primer disco en solitario.

Entrevista Rodrigo Mercado

After Dinner - Paradise of replica (1989)

Hoy voy a presentar a una de las grandes figuras de la vanguardia en Japón a partir de los 80: La enorme Haco, artífice de proyectos como Hoahio o una prolífica carrera en solitario. Al igual que debería hacer con Delia Derbyshire, Haco se merece una buena entrada para ella sola, y quizás la acabe  haciendo, pero hoy nos vamos a ocupar del que fue su lanzamiento al mercado musical: After Dinner.
Sería difícil definir el sonido de After Dinner, podríamos decir que nos encontraremos con una música cambiante, impredecible, con un aura infantil y juguetona a la vez que desquiziada; fuerte e imponente a veces, tímida en otros momentos, con una clara tendencia a la música tradicional Japonesa pero sin perder de vista el academicismo europeo y reminiscencias a la música de cabaret. En cualquier caso no suena a nada que hayas escuchado antes.
El disco que hoy nos ocupa tiene todas estas características, fue el ultimo larga duración que sacaron, y en mi opinión el mas destacable, aunque los demás son igualmente maravillosos. En este trabajo encontramos mas melodías de corte occidental y menos experimentos electrónicos que en los anteriores trabajos, lo cual quizás lo haga algo mas accesible. La omnipresente y modulada voz de Haco expira voluptuosas notas acompañada de toda clase de instrumentos como violines, pianos, arpas tradicionales, flautas, arpas de boca, charangos o sintetizadores por encima de percusiones exóticas organizadas en una rítmica extraña y cambiante.
La ingente cantidad de gente que participa en el el disco aportando su granito de arena me impide mencionarlos a todos, pero se hace necesario mentar al resto de componentes de la banda que acompañan a Haco en este viaje: Yosuke Isshiki, Masahiro Kitada, Tadahiko Yokogawa, todos ellos poliinstrumentistas.

White Noise - An electric storm (1969)

En la actualidad, con la oleada de féminas que surgen de todos los rincones del arte auditivo armadas con enorme talento y creatividad, y copan las propuestas mas interesantes de este siglo, es difícil pensar que no siempre fue así el asunto.
En los años sesenta, tanto en la música popular como en la académica el mercado estaba controlado, casi con exclusividad, por hombres, y por supuesto la vanguardia no era excepción de este hecho. Por suerte apareció, surgida de entre metros de cinta y aparatos electrónicos en algún rincón de un programa radiofónico de la BBC, la enorme Delia Derbyshire, y todo fue diferente.

Conocida sobretodo por ser la creadora del tema musical de Dr. Who, se ganó el apelativo de escultora del sonido por su habilidad para manipular, mediante grabaciones e instrumentos sintéticos, multitud de ritmos y espectros sonoros, erigiéndose como una de las grandes representantes de la música concreta y electrónica y sobre todo por promover el uso de estos recursos en la música popular y darlos a conocer por el gran publico. Se requeriría todo un articulo dedicado exclusivamente a la vida y obra de esta figura, pero lo que hoy nos acontece no le atañe tan solo a ella.
White Noise fue formado en el año 1968 por David Vorhaus quien contactó con la mencionada Delia Derbyshire y el compositor Brian Hodgson, ademas del percusionista Paul Lytton y los vocalistas John Whitman, Annie Bird, Val Shaw para completar la formación. Un año después sacarían el primer disco, "An eletric storm", que también marcaría el fin de la colaboración de Delia y Brian con White Noise, no sin antes haber imprimido toda su personalidad en el sonido del grupo.
An electric strom comienza con uno de los cortes mas destacados del LP: Love without sound, que probablemente sea también el tema mas conocido de White Noise. Con una sonoridad algo oscura y etérea  basada en diferentes efectos para las voces y multitud de pequeños ruidos literalmente recortados y pegados  a modo de collage sonoro, un buen inicio para una obra maestra.
El segundo corte es también una excelente pieza de características similares a la anterior, con una percusión jazzera que por momentos se torna tribal y una orgásmica culminación vocal.
"Here come the fleas" toma una aire mas juguetón y desenfadado, contrastando con los anteriores temas, pero si perder la sonoridad marciana.
A partir de aquí encontramos de todo: temas de corte Beatlelesco, momentos de improvisación espacial y muchos, muchísimos efectos sonoros degenerando en una apoteósica culminación de percusiones, muros de sonido y voces de ultratumba que lleva por nombre "The black mass".
Sin duda alguna nos encontramos ante un imprescindible de todo amante de la música electrónica, un disco audaz y adelantado a su tiempo que no dejará de sorprendernos, y mas aun teniendo en cuenta el año en el que fue publicado.

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Clude Debussy (Parte 2)

Primera parte aquí

Una de las características de la composición de Debussy es la adición de técnicas y recursos externos a la música occidental, sobre todo de procedencia oriental. En la Exposición Universal de París de 1889 Debussy escuchó por primera vez la música para Gamelan de Indonesia, y quedo embelesado por las exóticas escalas y la complejidad rítmica de estos sonidos tratando de adaptarlos a su personalidad. Resultado de esto surge, a partir de la escala tradicional slendro, la escala hexatónica de tonos enteros, tan importante en la característica sonoridad impresionista y que le confiere un toque misterioso, suspendido, inconcluso, debido a que carece de centro tonal.
También gustaba mucho de otras escalas exóticas como las árabes, las chinas o la española, pero uno de los avances técnicos mas importantes que realizó fue la recuperación de los modos gregorianos que durante el barroco habían quedado reducidos a dos: Mayor (Jónico) y Menor (Eólico).
Armónicamente sobrepasó la utilización de los clásicos acordes de tríadas enriqueciéndolos con séptimas sin resolver, novenas y muchos mas recursos poco explotados hasta el momento: La selección de los acordes ya no venia determinada por las reglas de tensión/resolución si no con el objetivo de dar "color" a la obra.
Todo esto confirió a su música unas posibilidades sonoras mucho mas amplias que marcarían la evolución de la música francesa a partir de ese momento.

La sonoridad de esta pieza está caracterizada por la 

utilización de la escala pentatónica china.

A todo esto acompañaban numerosos recursos técnicos principalmente pianisticos, que es el instrumento en el que se formó Debussy y el mas utilizado en las composiciones impresionistas, como el uso exhaustivo de los pedales para crear atmósferas y una forma de ejecución cargada de matices y modulaciones, con una rítmica mas libre y cambiante que en otras estructuras mas rígidas y una utilización del rubato que permitía al interprete desarrollar algo personal y dinámico.

Ejemplo de la utilización del pedal de resonancia para 
conferir un aire etéreo y onírico.

Así, nos encontramos en el impresionismo ante una estética con identidad propia que marcó el final del romanticismo y el inicio de las vanguardias, que se desarrollarían bajo su influencia, por lo tanto no es arriesgado decir que el mayor representante de esta estética, Claude Debussy, es también uno de los compositores mas importantes e influyentes de la historia de la música, marcando un antes y un después de su obra y erigiéndose como uno de los grandes transgresores del arte occidental.

Prueba de la sonoridad líquida en la música de Debussy