John Coltrane es indiscutíblemente una de las grandes figuras del Jazz
moderno, y dentro de su extensa discografía, este álbum destaca por encima de
los demás, por lo tanto no es arriesgado decir que en “A Love Supreme” nos
encontramos ante uno de los mejores álbumes de la historia del Jazz y de la
música en general, y se lo ha ganado a pulso ya que desde el primer momento de
escucha sabremos que nos encontramos ante algo grande, inmenso, supremo.
Si tuviese que escoger una palabra para definir el espíritu de este disco
tendría muy claro cual seria: Intenso. Durante todo el disco se conserva un
"algo" especial que te mantiene alerta y atento a cada nota y no te
dejara descansar ni un momento, probablemente gracias al enigmático saxofón de
Coltrane y a la enérgica batería de Elvin Jones, que no para ni un instante,
unidos al impredecible pianista McCoy Tyner y al contrabajista Jimmy Garrison.
Juntos, y utilizando el Jazz de vanguardia como vehiculo de expresión, nos
plantean cuatro temas con una gran carga espiritual, como ya indica el titulo
del disco, y que en las circunstancias adecuadas podrán sumirte en un místico
trance divino con un único y todopoderoso dios: John Coltrane.
Probablemente este sea uno de los discos más apropiados para introducirse en la
carrera en solitario del genio Trane, pues contiene todos los aspectos de su
personalidad musical y es más audible que obras mas arriesgadas como
"Ascension" con una apuesta puramente freejazzera.
Quizás no muchos conozcan la influencia de esta banda estadounidense de
punk, pero sin duda alguna el Grindcore y el Hardcore de expresión mas extrema
le deben buena parte de su existencia solo a ellos. Pocos grupos son capaces de
hacer algo así sacando tan solo un EP en toda su carrera, y ese es el EP ante
el que nos encontramos ahora mismo. En tan solo dos años de existencia, estos
adolescentes, que a pesar de su corta edad ya habían tocado en agrupaciones de
Jazz, revolucionaron el mundo del punk underground con este disco, llamado Drop
Dead, dejando clásicos indiscutibles del hardcore versionadas por grupos como
Napalm Death o Witch Hunt, incluso la agrupación de D-Beat Dropdead debe su
nombre al legendario EP. La mayor parte de las canciones que lo forman no duran
más de un minuto, y hacen gala de una brutalidad y velocidad impensable en esos
tiempos. Promoviendo ya esa economía tan característica en el Grindcore, las
primeras 5 canciones se escuchan en apenas 5 minutos, tiempo mas que suficiente
para mostrar todo su rabioso potencial, pero la ultima pista, "Grim
Reaper" rompe todos los esquemas del disco con sus mas de 7 minutos de caóticas
y disonantes improvisaciones freejazzeras, con la introducción de un afilado saxofón
por parte del vocalista Kevin Mahoney, desquiciados sonidos ambientales y voces
ultra reverberadas estrellándose de un lado a otro: Una maravilla. Además esta
re-edición de 1994 contiene tres canciones adicionales que en su momento
aparecieron en un recopilatorio de Hardcore llamado "Cleanse the
Bacteria". Como he dicho antes, este disco ya contiene todos los elementos de lo que
mas tarde seria conocido como Grindcore: Atonalidad y disonancias, gran
velocidad, canciones híper cortas, voces basadas en gruñidos o aullidos
desgarrados, contenido lírico satírico y político y en general una violenta y
brutal descarga de adrenalina. Todos estos elementos serian llevados a la máxima
expresión por Napalm Death o Extreme Noise Terror, pero las bases ya estaban
puestas, y se sustentaban sobre el Drop Dead de Siege.
Bueno, ya he aguantado suficiente tiempo sin colgar alguna locura japonesil
de esas que tanto me gustan, y he decidido hacer lo propio con Kiiiiiii. No, no
se me ha ido el dedo con el teclado, la banda se llama así: Kiiiiiii, con siete
i's, para quien no le apetezca contar. El grupo lo componen dos muchachitas
japonesas que esconden tras su inocente aspecto un huracán de locura y
creatividad. Amantes de Michael Jackson, el Krautrock y Barrio Sésamo nos
arrollan con una ecléctica y colorida performance donde tienen cabida peluches,
juguetes de diversa índole, casiotones, pequeña percusión y referencias a la
guerra de las galaxias. El grupo lo encontré hace ya un tiempo explorando por
la red a partir de Melt-Banana (Banda también nipona que colgaré mas adelante)
y lo primero que vi fue el videoclip de "4 Little Joeys", o
como la llamaba un colega, "los tambores voladores", lo primero que pensé
es que eran las japonesas mas locas que había visto nunca, lo cual no es
ninguna tontería. Anonadado continué explorando en youtube en busca de nuevos vídeos de la asombrosa pareja, y cada cual que encontraba era mas psicodélico
que el anterior y sus actuaciones en directo son autenticas obras teatrales de
aspecto infantil, aunque para nada dirigido a niños, en las que nuestras amigas
vierten todo su potencial como "Showomen" llegando a realizar auténticos
monólogos en el escenario. Pero todo esto para nada deja la música como algo
secundario puesto que a pesar de las apariencias nos encontramos ante unas
chicas sobradamente preparadas, y esto sale sobre todo a la luz en el disco,
repleto de una música en apariencia sencilla pero cargada de detalles
maravillosos y exquisitas armonías vocales que muestran su polifacético talento
y que harán las delicias de nuestros oídos. 19 pistas con carcajadas
aseguradas.
Se que he dicho mas bien poco sobre la música, pero es que hay que
escucharlo, este es el único álbum editado hasta la fecha a parte de varios
videos, singles y pequeñas grabaciones, así que tenéis tiempo para asimilarlo
bien. Bienvenidos al frikismo musical.
Hoy voy a colgar mi última adquisición progresiva, una oscura banda Belga
que responde al nombre de Univers Zero y el disco que abordaremos será su
segundo trabajo, "Heresie" de 1979, considerado la obra maestra del
grupo. La música que nos encontraremos cuando nos adentremos en el es una música
oscura, misteriosa, terrorífica en ciertos pasajes, con una clara influencia de
Béla Bartók, la libre atonalidad y los súper progresivos Magma, utilizan estos
recursos para emular la atmosfera de las películas de terror. En el disco nos
encontramos tan solo tres títulos de naturaleza cambiante e imprevisible, con
improvisaciones free jazzeras, pasajes acústicos y una enorme duración, características
propias de todo buen rock progresivo pero llevado al extremo del RIO (Rock in
Opposition) o el Zeuhl, genero creado por los mencionados Magma.
No sabría que mas poner en esta entrada, mejor que bajéis el disco y lo disfrutéis.
En Astor Piazzola nos encontramos a uno de los grandes revolucionarios del
tango argentino y a un excelente y prolífico compositor capaz de combinar con
enorme eficacia lo clásico con lo contemporáneo y lo académico con lo popular.
A pesar de esto e incluso 20 años después de su muerte continúa siendo
vilipendiado por los más ortodoxos "tangueros", convirtiéndolo sin
duda en unos de los músicos malditos de la segunda mitad del siglo XX. Esto es
por que rompió con las estructuras tradicionales del tango añadiéndole
elementos de músicas populares como el Jazz o incluso el Rock y empleando
recursos de la armonía impresionista y la libre atonalidad, llegando a una música
cargada de sutiles y no tan sutiles disonancias que seguía sonando a tango rítmica
y globalmente pero que difería considerablemente del sonido de la Guardia Vieja. En
la presente grabación podemos apreciar claramente todas estas características
en cada una de las canciones y en cada una de ellas de una manera particular.
Todas las canciones poseen el lexema -tango (A excepción de "Adiós
Nonino") en sus nombres precedido de un prefijo que define la personalidad
del tema, como ejemplos el tema que da nombre al álbum, cuya
"libertad" tonal toma un papel protagonista o el
"Tristango" que cierra el disco, caracterizado por la melancolía.
Por supuesto este no es un disco dirigido exclusivamente a los amantes del
tango y la música argentina, debido al torbellino de influencias que lo colman,
cualquiera podrá encontrar algo de su agrado en el, y quien sabe si una puerta
a una desconocida pasión por la tradicional danza.
A ver, tengo que rellenar este blog lo antes posible, y no se me ocurre
mejor manera de continuar publicando que recurrir a una de las piedras
angulares de mi mapa conceptual musical. Me estoy refiriendo a los enormes King
Crimson y a su no más pequeño LP "Red", probablemente uno de los
mejores trabajos de la dilatada carrera de la banda. Red fue el ultimo disco
que sacaron antes de separarse por primera vez en 1974, y supone la culminación
del sonido que habían comenzado a desarrollar con "Starless and bible
black", sonido caracterizado por la potencia heredada del por entonces
incipiente Heavy metal, con omnipresentes guitarras eléctricas, bajos cargados
de distorsión y poderosas baterías en una abrasiva mezcla aderezada de exóticas
escalas simétricas i veloces improvisaciones Jazzisticas.
El disco comienza con el tema que le da nombre, y en él ya nos encontramos
con todos los elementos descritos anteriormente, en contraste con la siguiente canción,
"Fallen angel" que recupera pasajes mas acústicos y melódicos característicos
de anteriores encarnaciones del rey carmesí, aunque sin perder el toque
inquietante y abrasivo que se da a lo largo del disco. Con "One more red
nigthmare" se vuelve a recurrir a la mencionada sonoridad con un fuerte
matiz urbano, transportándonos a las típicas callejuelas y tugurios nocturnos
de cualquier gran ciudad del mundo. La siguiente pista, nombrada
"Providence", es una casi inaudible improvisación colectiva
caracterizada por el leve in crescendo que culmina en un apoteósico barullo de
violas, bajos distorsionados, platos desquiciados y guitarras psicodélicas,
probablemente requerirá mas de una escucha para ser apreciada. Para finalizar
este excelente trabajo nos encontramos ante la pieza mas sobresaliente del álbum
y, en mi opinión, de todo el repertorio de King Crimson: "Starless". En este tema nos encontramos con todos los elementos que han caracterizado a la
banda a lo largo de esta primera etapa a modo de puente entre sus sonoridades,
el característico melotrón vuelve a cobrar la importancia que tenia en las
primeras etapas dandole a la primera parte de la canción el aire oscuro y melancólico
de canciones como "Epitaph" o "In the wake of Poseidon",
con la viola y el saxofón flotando entre las líneas vocales, después de esto la
canción se reduce a una nota de guitarra a la que irán añadiéndose el resto de
instrumentos hasta llegar a una afilada improvisación antes de dar paso al clímax
que dará fin al tema.
Sin duda este disco es un imprescindible en la colección de cualquier
rockero melómano, así que si encajas en esa descripción y aun no lo has
escuchado, no se a que cojones estas esperando, por que mas fácil no te lo
puedo poner.
Por fin voy con la primera entrada al blog, a ver como va la
cosa. Recientemente he vuelto de hacer el camino de Santiago, experiencia que,
por cierto, recomiendo a todo el mundo. El caso es que durante todo el trayecto
me han acompañado unos cuanto discos entre los cuales ha cobrado especial
relevancia el que voy a colgar a continuación, no se si por que suponía una
relativa novedad o por que era acorde al húmedo y boscoso entorno de Galicia,
el caso es que hizo paso por el reproductor muchas mas veces que el resto, convirtiéndose
en la banda sonora de mi camino.
Bueno, el mencionado disco es "Heal my violence"
de Dear Euphoria, un dúo escandinavo, concretamente de Estocolmo (Suecia) que
practican un delicado Pop etéreo con tintes folk. El grupo me lo encontré, si
no recuerdo mal, explorando por YouTube, y desde el principio me enganchó por
sus pegadizas melodías y la cristalina voz de Elina Johansson, pero desde luego
no se trata del típico pop de usar y tirar, ya que con cada escucha se van percibiendo
nuevos matices y nos topamos con unas elaboradas armonías de influencia
impresionista que nos trasladan a iluminados bosques escandinavos. La reverberación
de los instrumentos, la ausencia de excesivos arreglos corales o instrumentales,
el intimo contenido lírico, la omnipresente voz de Elina, todo favorece la
mencionada ambientación etérea que caracteriza al disco, del cual seria difícil
escoger una canción que destaque por encima de las demás ya que, desde el
primer corte nos topamos con toda una declaración de intenciones que, salvo en
un par de notables excepciones, rara vez se desvía de la esencia, a pesar de
esto para nada se torna un disco aburrido en ningún momento si no que, al
contrario, se escucha con una gran fluidez convirtiendo cada canción en una extensión
de la anterior. Se puede reconocer la influencia de diversas agrupaciones
Islandesas como Mum, Björk o Sigur Ros así como del Folk Psicodelico
escandinavo y estadounidense de músicos como Joanna Newsom o Devendra Banhart, así
que si disfrutáis de alguno de estos nombres, con Dear Euphoria os encontrareis
ante una apuesta segura que añadir a vuestra colección.
Bueno, os presento a mi nueva creación, mi Frankenstein
virtual particular. Es el primer blog que hago, y por supuesto no podía tratar
otro tema. La música. Al fin y al cabo el único campo de conocimiento en el que
me muevo con fluidez. Blogs de música hay unos cuantos, lo se, y como esto
tiene una parte de realización personal no me importa demasiado. No obstante
creo que sí hay algo que puede diferenciar este espacio de la mayor parte de
blogs musicales: La diversidad. Al igual que el monstruo de Mary Shelley este
blog estará formado por diferentes piezas extraídas de los más oscuros (o luminosos)
rincones del arte auditivo. Enigmática música balinesa, gloria impresionista
caída del cielo, crust punk oscuro y nauseabundo, japonesas desquiciadas, bebop
frenético y spiditoso, exquisito pop francés, folk psicodélico y misterioso,
arcanas rarezas krautrockeras y en definitiva, cualquier aberración sonora que
se me pase por la cabeza.
Por todo esto puedo decir que CUALQUIER intrépido internauta
que se adentre en estos dominios encontrará (al menos cuando esté el blog mas
avanzado) algo de su agrado, ya sea alguna sorprendente novedad, un clásico
imperecedero, o ese escurridizo disco que tanto tiempo llevaba buscando.
En fin, el caso es que esta hecho con ilusión y la mejor intención,
así que espero que lo disfrutéis tanto como yo disfruto compartiendo música y ojala
encontréis aquí un santuario al que recurrir en busca de nuevas experiencias
sonoras.
Como he dicho antes, este disco ya contiene todos los elementos de lo que
mas tarde seria conocido como Grindcore: Atonalidad y disonancias, gran
velocidad, canciones híper cortas, voces basadas en gruñidos o aullidos
desgarrados, contenido lírico satírico y político y en general una violenta y
brutal descarga de adrenalina. Todos estos elementos serian llevados a la máxima
expresión por Napalm Death o Extreme Noise Terror, pero las bases ya estaban
puestas, y se sustentaban sobre el Drop Dead de Siege.
Bueno, el mencionado disco es "Heal my violence"
de Dear Euphoria, un dúo escandinavo, concretamente de Estocolmo (Suecia) que
practican un delicado Pop etéreo con tintes folk. El grupo me lo encontré, si
no recuerdo mal, explorando por YouTube, y desde el principio me enganchó por
sus pegadizas melodías y la cristalina voz de Elina Johansson, pero desde luego
no se trata del típico pop de usar y tirar, ya que con cada escucha se van percibiendo
nuevos matices y nos topamos con unas elaboradas armonías de influencia
impresionista que nos trasladan a iluminados bosques escandinavos. La reverberación
de los instrumentos, la ausencia de excesivos arreglos corales o instrumentales,
el intimo contenido lírico, la omnipresente voz de Elina, todo favorece la
mencionada ambientación etérea que caracteriza al disco, del cual seria difícil
escoger una canción que destaque por encima de las demás ya que, desde el
primer corte nos topamos con toda una declaración de intenciones que, salvo en
un par de notables excepciones, rara vez se desvía de la esencia, a pesar de
esto para nada se torna un disco aburrido en ningún momento si no que, al
contrario, se escucha con una gran fluidez convirtiendo cada canción en una extensión
de la anterior. Se puede reconocer la influencia de diversas agrupaciones
Islandesas como Mum, Björk o Sigur Ros así como del Folk Psicodelico
escandinavo y estadounidense de músicos como Joanna Newsom o Devendra Banhart, así
que si disfrutáis de alguno de estos nombres, con Dear Euphoria os encontrareis
ante una apuesta segura que añadir a vuestra colección.