White Noise - An electric storm (1969)

En la actualidad, con la oleada de féminas que surgen de todos los rincones del arte auditivo armadas con enorme talento y creatividad, y copan las propuestas mas interesantes de este siglo, es difícil pensar que no siempre fue así el asunto.
En los años sesenta, tanto en la música popular como en la académica el mercado estaba controlado, casi con exclusividad, por hombres, y por supuesto la vanguardia no era excepción de este hecho. Por suerte apareció, surgida de entre metros de cinta y aparatos electrónicos en algún rincón de un programa radiofónico de la BBC, la enorme Delia Derbyshire, y todo fue diferente.

Conocida sobretodo por ser la creadora del tema musical de Dr. Who, se ganó el apelativo de escultora del sonido por su habilidad para manipular, mediante grabaciones e instrumentos sintéticos, multitud de ritmos y espectros sonoros, erigiéndose como una de las grandes representantes de la música concreta y electrónica y sobre todo por promover el uso de estos recursos en la música popular y darlos a conocer por el gran publico. Se requeriría todo un articulo dedicado exclusivamente a la vida y obra de esta figura, pero lo que hoy nos acontece no le atañe tan solo a ella.
White Noise fue formado en el año 1968 por David Vorhaus quien contactó con la mencionada Delia Derbyshire y el compositor Brian Hodgson, ademas del percusionista Paul Lytton y los vocalistas John Whitman, Annie Bird, Val Shaw para completar la formación. Un año después sacarían el primer disco, "An eletric storm", que también marcaría el fin de la colaboración de Delia y Brian con White Noise, no sin antes haber imprimido toda su personalidad en el sonido del grupo.
An electric strom comienza con uno de los cortes mas destacados del LP: Love without sound, que probablemente sea también el tema mas conocido de White Noise. Con una sonoridad algo oscura y etérea  basada en diferentes efectos para las voces y multitud de pequeños ruidos literalmente recortados y pegados  a modo de collage sonoro, un buen inicio para una obra maestra.
El segundo corte es también una excelente pieza de características similares a la anterior, con una percusión jazzera que por momentos se torna tribal y una orgásmica culminación vocal.
"Here come the fleas" toma una aire mas juguetón y desenfadado, contrastando con los anteriores temas, pero si perder la sonoridad marciana.
A partir de aquí encontramos de todo: temas de corte Beatlelesco, momentos de improvisación espacial y muchos, muchísimos efectos sonoros degenerando en una apoteósica culminación de percusiones, muros de sonido y voces de ultratumba que lleva por nombre "The black mass".
Sin duda alguna nos encontramos ante un imprescindible de todo amante de la música electrónica, un disco audaz y adelantado a su tiempo que no dejará de sorprendernos, y mas aun teniendo en cuenta el año en el que fue publicado.

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Clude Debussy (Parte 2)

Primera parte aquí

Una de las características de la composición de Debussy es la adición de técnicas y recursos externos a la música occidental, sobre todo de procedencia oriental. En la Exposición Universal de París de 1889 Debussy escuchó por primera vez la música para Gamelan de Indonesia, y quedo embelesado por las exóticas escalas y la complejidad rítmica de estos sonidos tratando de adaptarlos a su personalidad. Resultado de esto surge, a partir de la escala tradicional slendro, la escala hexatónica de tonos enteros, tan importante en la característica sonoridad impresionista y que le confiere un toque misterioso, suspendido, inconcluso, debido a que carece de centro tonal.
También gustaba mucho de otras escalas exóticas como las árabes, las chinas o la española, pero uno de los avances técnicos mas importantes que realizó fue la recuperación de los modos gregorianos que durante el barroco habían quedado reducidos a dos: Mayor (Jónico) y Menor (Eólico).
Armónicamente sobrepasó la utilización de los clásicos acordes de tríadas enriqueciéndolos con séptimas sin resolver, novenas y muchos mas recursos poco explotados hasta el momento: La selección de los acordes ya no venia determinada por las reglas de tensión/resolución si no con el objetivo de dar "color" a la obra.
Todo esto confirió a su música unas posibilidades sonoras mucho mas amplias que marcarían la evolución de la música francesa a partir de ese momento.

La sonoridad de esta pieza está caracterizada por la 

utilización de la escala pentatónica china.

A todo esto acompañaban numerosos recursos técnicos principalmente pianisticos, que es el instrumento en el que se formó Debussy y el mas utilizado en las composiciones impresionistas, como el uso exhaustivo de los pedales para crear atmósferas y una forma de ejecución cargada de matices y modulaciones, con una rítmica mas libre y cambiante que en otras estructuras mas rígidas y una utilización del rubato que permitía al interprete desarrollar algo personal y dinámico.

Ejemplo de la utilización del pedal de resonancia para 
conferir un aire etéreo y onírico.

Así, nos encontramos en el impresionismo ante una estética con identidad propia que marcó el final del romanticismo y el inicio de las vanguardias, que se desarrollarían bajo su influencia, por lo tanto no es arriesgado decir que el mayor representante de esta estética, Claude Debussy, es también uno de los compositores mas importantes e influyentes de la historia de la música, marcando un antes y un después de su obra y erigiéndose como uno de los grandes transgresores del arte occidental.

Prueba de la sonoridad líquida en la música de Debussy

Sibylle Baier - Colour Green (1973)

Hay historias que merecen que se les dedique unos instantes, y esta es, sin duda, una de ellas.
Sibylle Baier era una joven alemana que, como muchas otras de su generación, se había lanzado a explorar las posibilidades del amor libre y la vida bohemia del movimiento hippie. Así, mientras conciliaba con el sueño de ser actriz, pintora y poetisa, se dedico a emular a ídolos como Joan Baez grabando en su propia casa y acompañada únicamente de su guitarra, una serie de temas de Folk. Esto ocurría entre 1970 y 1973.
Después, y al igual que muchos en su generación que no se quedaban por el camino, abandonó la vida bohemia para convertirse en una ejemplar madre de familia, y esas grabaciones quedaron, junto con sus recuerdos, olvidadas en cualquier cajón.
No fue hasta el 2003, treinta años después, que su hijo se topo con estas grabaciones y, percatándose del tesoro que se encontraba en ellas, decidió enviarlas a J. Mascis, de Dinosaur Jr., Quien consiguió que las canciones fuesen publicadas bajo el nombre de Colour Green. Una historia con final feliz.
En el disco nos encontramos con típicas canciones folk de corte íntimo, con la cálida y familiar voz de Sibylle apoyada de unos acordes de guitarra seleccionados con muy buen gusto. Una música amable, fluida, modulada cuando se hace necesario, perfecta para esa tarde lluviosa que parece perderse en la indiferencia.
Quizás su único defecto es volverse ligeramente repetitivo, ya que no encontraremos ningún titulo que se salga de esta descripción, aunque hay uno que en mi opinión sobresale por encima de las demás: La melancólica The End.
En conclusión, un disco muy recomendable para los amantes del folk. Y con una historia que nos recuerda a otras leyendas como Bill Fay o Vashti Bunyan, que también se vieron renacer con el interés por el Folk surgido en estos últimos años.

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Claude Debussy (Parte 1)

Claude Debussy

Debussy, Debussy, Debussy... Su propio nombre ya evoca a su música y a las imágenes que intenta mostrarnos con ella: Fluidez, misterio, elegancia, fragilidad... virtudes omnipresentes en la extensa obra del compositor francés. Claude Achille Debussy nació el 22 de Agosto de 1862 en el seno de una familia trabajadora pero con intereses artísticos que desembocaron en la entrada del joven Debussy en el conservatorio de París donde obtendría buenos resultados. A partir de ahí su carrera estaría caracterizada por vaivenes de reconocimiento y rechazo que marcarían la personalidad del compositor. Al igual que cualquier artista que rompía con los esquemas establecidos por el academicismo para adentrarse en el progreso, Debussy se encontró en su camino con numerosos detractores que tachaban su música de disonante y aleatoria, y en realidad no iban del todo desencaminados. Amante del romanticismo mas transgresor de Wagner y del barroco francés  no se limitó a emular estas formas y asentó su carácter en la continua exploración musical y la búsqueda de nuevos y exóticos métodos de composición.

"Impresion, sol naciente". El cuadro de Claude Monet,
tocayo de Debussy, y uno de los mayores representantes
 del impresionismo, que dio nombre al movimiento.

Comúnmente vinculado al impresionismo musical, llevando prácticamente el titulo de representante unipersonal del movimiento no gustó, sin embargo, jamas de esta etiqueta, considerándose mas cercano al paisajismo de William Turner. A pesar de esto, las similitudes con el movimiento pictórico francés son mas que obvias. El impresionismo podría ser descrito con la frase de Stephane Mallarmé: "Pinta, no la cosa, si no el efecto que produce". Con esta premisa los impresionistas buscaban crear sensaciones en el espectador configurando una visión subjetiva aunque realista del paisaje y basándose en técnicas muy novedosas como la pincelada gestaltica, en la que, anticipando la psicología de la percepción , pinceladas independientes de colores puros formaban en la mente una figura uniforme. Elementos como el agua o la luz cobraban especial relevancia en este arte, siendo continuamente representados en sus obras, al igual que en la música de Debussy, cuyo gusto por lo fluido, lo efímero, le llevo a componer el tríptico sinfónico "La Mer" o el preludio "La Cathédrale Engloutie" con una obvia sonoridad liquida y marina. Otro de los puntos de encuentro entre Debussy y los impresionistas son los Simbolistas franceses como Baudelaire, Verlaine, Rimbaud o Mallarmé. Considerados como los equivalentes literarios a los impresionistas fueron continuamente referenciados tanto por los músicos como por los pintores de esta estética, de hecho la primera obra de Debussy de estética puramente impresionista (y por lo tanto la primera pieza impresionista) esta basada en un poema del mencionado Mallarmé.

El Preludio a la siesta de un fauno contenía ya todas las características de esta música, como la intima orquestación basada principalmente en instrumentos de viendo madera, arpas y cuerdas confiriéndole un carácter bucólico y juguetón ademas de ligero y etéreo. En esta pieza Debussy rompe con los esquemas tonales modificando a su antojo la modulación, algo que la hace parecer una pieza improvisada o libre cuando en realidad esta sometida a unas complejas normas compositivas carentes de las restricciones del tradicional sistema de cadencia tonal. Muchas de las técnicas que describiré a continuación ya se encontraban en esta pieza y son las que confieren al impresionismo una sonoridad propia, genuina y jamas escuchada anteriormente.

Continua aquí

Deux Filles - Silence & Wisdom (1982)

Deux Filles fue un efímero y casi desconocido grupo francés formado por el músico  compositor y productor Simon Fisher Turner y el escritor y productor Colin Lloyd Tucker. Juntos se embarcan en una epopeya musical interpretando el papel de dos indefensas jóvenes ocultas tras un trágico pasado.

En el amalgama sonoro de Deux Filles tiene cabida casi todo: Partiendo del Kraut menos rockero y de los inicios del ambient de Brian Eno o Vangelis mediante recursos minimalistas e instrumentos tanto sintéticos como acústicos nos ofrecen una propuesta personal, intrépida, pero audible para oídos minimamente experimentados, caracterizada por esas sonoridades etéreas que a mi tanto me gustan, voces tímidas y una composición detallada. Una música intima que se torna oscura en ocasiones, formada por retazos de múltiples ideas e influencias

Después de dos discos alabados por la critica aunque con poca repercusión, decidieron abandonar el proyecto y embarcarse en otros quehaceres, quedando Deux Filles condenado al olvido. Afortunadamente, gracias a medios de comunicación como Internet podemos tener acceso a la obra que nos lego Deux filles. Silent & Wisdom, junto con su segundo trabajo Double Happiness hará las delicias de los melómanos mas exigentes.
Advertencia: No apto para poperos.




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Jim Collins - Music performed by the high mass (2003)

¿Quién o qué es Jim Collins? ¿Que se esconde tras esa enigmática figura? ¿Por que no existe información en Google o Wikipedia? Ni siquiera Mutant Sounds es capaz de publicar mas que una breve y enigmática reseña. Un aura de misterio rodea este disco, algo muy apropiado si tenemos en cuanta lo que nos encontraremos en el: Una música tan misteriosa, oscura y aparentemente arcana como la identidad de su autor.

El disco comienza con un creciente sonido de pájaros que ya anticipa lo que vamos a encontrarnos. La ambientación juega un papel primordial en su característico sonido, ambientación que nos transportara a entornos oscuros, solitarios, con un deje de misticismo. Quizás un bosque caducifolio durante una templada noche otoñal, o esa sinuosa carretera de montaña siendo atravesada por un único coche, tal vez nos lleve a lo mas profundo de una pequeña caverna oculta en la maleza o el sótano de un viejo caserón abandonado; pero siempre de noche.

Oscuridad, y junto con la oscuridad el intimismo. Intimismo ermitaño, intimismo de aquel que no conoce la sociedad mas que por una leve intuición y decide, por libre albedrío o por obligación, apartarse de todo, incluso de la propia tierra.

El sonido que define el disco se podría describir como folk, psych folk o dark folk, en cualquier caso transgrede sin compasión estas etiquetas mostrándonos algo novedoso y muy personal, con una instrumentación tan intima como ecléctica: Una omnipresente guitarra acústica que por momentos parece que vaya a desaparecer, breves pasajes pianísticos, alguna canción con percusión, extrañas notas surgidas de alguna clase de flauta tradicional, variados pero no sobrecargados efectos sintéticos y de guitarra eléctrica, incluso en algún momento irrumpe un tembloroso órgano que suena de todo menos épico. Pero lo que destaca por encima o por debajo de todo ello es la voz, esa voz desquiciada y ultrareberberada que clama inquietantes insignias como "I wanna be just like Jesus" (solo quiero ser como Jesus) probablemente desde el fondo de un pozo o desde la habitación acolchada de un manicomio Guatemalteca. Todo aderezado con un perpetuo efecto de frituras de vinilo que da el rollo "antiguo" que necesita una obra así.

Por todo esto es recomendable escuchar el disco en unas condiciones especificas que no detallaré para no influir en una decisión mas bien personal pero que deberían acercarse lo máximo posible a los entornos descritos al principio. Seguramente necesitará un par de escuchas atentas para ser realmente apreciado, y una vez conseguido nos dejará en un estado que no es el mas apropiado para, por ejemplo, salir de fiesta, así que hay que ir con cuidado. Pero sobretodo tened en cuenta que os encontráis ante una autentica joya de la que solo pueden disfrutar unos cuantos "elegidos".

Explorando la red con algo mas de profundidad podréis ir encontrando breves pistas sobre la identidad del autor, pero no voy a anticipar nada ya que precisamente el misticismo que envuelve el disco es uno de sus encantos, cada uno que decida si buscar algo mas o permanecer en el encantador desconocimiento y puede que más adelante me lance a publicar algo de  información.

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Múm - Loksins erum við engin (2002)

Muchas de las propuestas musicales mas interesantes de los últimos años han venido cruzando el océano atlántico desde Islandia. Puede que la marginación geográfica y las temperaturas extremas estimulen la creatividad o que el decente sistema educativo favorezca la aparición de grandes artistas. También puede que sea gracias a la influencia de Björk, que dio un brillo de esperanza a la escena popular de la lejana isla. Bandas como los marcianos Sigur Rós, que influenciaron a toda una generación de post-rockers escandinavos el Trip Hop de Kúra, la "cara bonita" de Sóley, el intrépido Jóhann Jóhannsson, los desquiciados Reykjavík, la mencionada Björk o el grupo que hoy nos atañe: Múm (Como podéis ver, gustan mucho de las tildes en este país) que, en mi humilde opinión  consiguen destacar por encima de los anteriores.
Múm practican esa música etérea y relajada que tanto gusta en los países del norte dando un nuevo significado al concepto de folk, ya que la mezcla de instrumentación tradicional con recursos electrónicos podría considerarse a estas alturas un símbolo de identidad de la cultura musical islandesa y escandinava.
Esta es la edición en islandés de su segundo disco, antes había salido una edición con todos los temas en ingles, pero me pareció mas propicio presentaros el grupo en su lengua natal. Dicho trabajo se encuentra a caballo entre al experimentación Clicks and Cuts del primer disco y la sonoridad mas Pop de los siguientes, con temas inolvidables que te atrapan desde el primer momento con voces finas y cristalinas (Aunque el disco es predominantemente instrumental) y melodías inocentes basadas en instrumentos tradicionales navegando por encima de complejas bases rítmicas electrónicas en ocasiones, acústicas en otras.
Sin duda un imperdible para cualquier melómano que se precie, muy recomendable.

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Midori - Hello to everyone. Nice to meet you. We are Midori (2008)

Efectivamente, aquí están Midori. Y hacen notar su presencia desde el primer momento (O quizás desde el segundo): te aseguro que saltarás de la silla cuando la adorable Mariko descargue inaudibles palabras en tus perplejos oídos. Pero no estará sola, en la hazaña la acompañarán Hajime, desquiciado y sobradamente preparado pianista de corte freejazzero, una especie de Cecil Taylor puesto de anfetaminas; Yoshitaka Kozeni llevando el ritmo y dando un poco (pero solo un poco) de coherencia a esta locura; y Keigo Iwami con su brutal contrabajo distorsionado. Mariko se disfrazará de colegiala para darte la falsa sensación de inocencia y tranquilidad pero, ¡ay amigo! en japón un uniforme escolar no posee las mismas connotaciones que en la cultura occidental, Mariko utilizara esta premisa para, guitarra en mano y micrófono cerca de la boca, berrear hasta quedarse afónica escupiendo disonantes armonías y retorciéndose de placer siempre que le es posible. A lo largo del disco se van turnando los predominantes temas de Jazz esquizofrénico de aire oriental mezclado con el punk de garage mas salvaje frente a breves descansos basados en una imagen mas infantil,  una especie de perverso fetiche cuasi pedofílico.

Lamentablemente, después de siete años de carrera y varios trabajos dejaron de existir en el 2010, pero aun podremos deleitarnos de la abrasiva voz de Mariko con su carrera en solitario.

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Gallhammer - Gloomy Lights (2004)

Gallhammer, tres niponas contra el mundo. En un entorno liderado por andrógenos varones de largas melenas, estas chicas, de baja estatura pero muy mala leche, irrumpen en el mercado del Black Metal mas oscuro y nauseabundo "con gran venganza y furiosa colera" demostrando que no solo de testosterona vive el metal extremo. Se juntaron en Tokyo allá por el 2003 con la idea de "hacer canciones tenebrosas y simples", y vaya si lo consiguieron. A pesar de no tener ninguna experiencia previa en sus correspondientes instrumentos demuestran que la técnica se convierte en algo innecesario cando priman la imaginación y las ganas, muchas ganas, de hacer lo mas les gusta.

En este primer disco nos encontramos canciones oscuras, sucias, repetitivas y potentes, características esenciales de todo buen Black Metal, ademas se percibe una especial afinidad por el crust primitivo y el Doom mas denso, convirtiendo el disco en una mezcla en apariencia obvia pero poco explotada en la actualidad. Y muy efectiva. Su declarada admiración por Amebix, Hellhammer (Del cual extraen el nombre) y Burzum ya supone toda una declaración de intenciones. A pesar de moverse en unos estilos bastante limitados y ya explorados en tiempos arcanos, consiguen crear una atmósfera personal y hacen fluir todo el disco consiguiendo que cada canción posea identidad propia.
este es el disco mas ambiental, los siguientes adquieren mas potencia y velocidad, producto probablemente de un obvio crecimiento tecnico, y son igualmente recomendables.

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Breve declaración de intenciones

¡Saludos!
Las cuatro personas que leen este blog seguramente habrán advertido que hace tiempo que no publico nuevo contenido (A quien voy a engañar, nadie se había dado cuenta), el caso es que me quitaron la cuenta de MediaFire por infringir derechos de autor. Yo pretendía hacer un blog de difusión musical donde pudieses descargarte los discos sin ninguna dificultad, siendo algunos de esos discos difíciles de encontrar en otros sitios. Como lo subía yo todo a MediaFire no habría problemas. Bueno, pues los ha habido y ya no hay ningún disco para descargar en el blog. Todo fue por "A Love Supreme" de John Coltrane, y me pregunto hasta que punto le importará a él que nos bajemos su música... Bueno, pues como ya no hay discos y auque espero volver a subirlos por otra vía, no se si los volverán a quitar, he decidido ampliar un poco el alcance del blog y rellenarlo con artículos e incluso quizás entrevistas, por supuesto seguiré explorando en mi disco duro para ofreceros vertiginosas reseñas de las rarezas mas insólitas, pero si queréis escucharlo, al menos de momento, tendréis que buscaros la vida.
Para empezar con esto voy a colgar un articulito sobre Japanoise y japonesas locas que aparecerá en un fancine del gran Jaume BaixTerra. Ya iré informando.

Japanoise

Japon: cuna del manga y el frikismo más extremo; referentes en la alta tecnología y el mercado de los videojuegos; ninjas y samuráis; películas raras de gore o terror psicológico; turistas japoneses fotografiando la Sagrada Familia. Todo esto sería, probablemente, lo primero que nos vendría a la cabeza de ser mencionado el lejano país nipón. Pero ¿y la música? ¿Que cojones escuchan esos señores bajitos de ojos rasgados? ¿Existe la música en Japón? Pues debo decirles que si. Y mucha. Actualmente el mercado musical nipón es uno de los más fructíferos del mundo tanto en un sentido artístico como comercial, pero existe una cierta tendencia a no exportar el “producto” centrándose en los consumidores autóctonos, al contrario de lo ocurrido en otros campos como el ya mencionado de los videojuegos. Esto, y obviamente la mas que considerable separación geográfica hace que poco o nada de la oferta musical japonesa llegue a los países de occidente y mucho menos a España. Afortunadamente, gracias a medios de comunicación como Internet, se nos abren puertas que en otros tiempos habrían sido completamente inaccesibles, permitiendo a los intrépidos exploradores ávidos de nuevas experiencias musicales adentrarse en los dominios del país del sol naciente y descubrir un amplio abanico de posibilidades sonoras marcianas y arriesgadas que lo convierten en un material de culto, y es que en la sociedad occidental existe una autentica fiebre por todo lo venido de allí, aunque lamentablemente (o afortunadamente) no llega a conquistar el meinstream. Cuando aquí llega algo japonés llega con la misma intensidad y el mismo estatus de culto sea una ultra popular agrupación de J-Pop prefabricada como AKB-48 o una garagera banda de D-Beat como es el caso de Disclose, lo cual nos permite explorar los sótanos más oscuros de la música japonesa sin las interferencias de la faceta más comercial apabullándonos en la radio o en las primeras paginas de los sitios Web. Es en estos sótanos donde nos encontramos las propuestas más interesantes, y dentro de todo este mercado una palabra que engloba toda una filosofía: Japanoise.

Merzbow, pionero del noise.

Japón es conocido entre los seguidores del underground por ser los pioneros de un concepto conocido como Noise, tan en boga actualmente entre los grupos alternativos, y es sin duda en ese país donde el noise se desarrolla y alcanza las máximas cotas de expresión gracias a artistas como Masami Akita, Keiji Haino, Yamazaki Maso, Fuyuki Yamakawa o Yamantaka Eye. Estos nombres, junto con los proyectos vinculados a ellos (Merzbow, Massona, Hanatarash, Boredoms…) y otros vanguardistas influenciaron a varias generaciones de músicos, tanto en el ámbito del Noise mas puro como en otros estilos, y gracias a esto han surgido un gran numero de artistas underground que se podrían englobar dentro de un movimiento, aunque las características comunes que los definen se difuminen a veces en el eclecticismo. Gran parte de estas bandas proviene de la ciudad de Osaka, la tercera más grande de Japón y un importante puerto y centro industrial. Contiene, como veníamos diciendo, una de las escenas underground mas activas de Japón, por no decir del mundo, grandes bandas como Boredoms, OOIOO, Afrirampo, Midori, Masonna o Merzbow. Gracias a este último podríamos considerar Osaka como la cuna del Noise, de ahí probablemente su importancia. Pero desafortunadamente hay una característica que considero importante resaltar y que excluiría a algunas de las bandas antes mencionadas y quitaría el monopolio de Osaka, y es la presencia de mujeres en el núcleo duro de las bandas, algunas incluso están formadas exclusivamente por chicas. Planteado todo esto puedo por fin enumeraros algunos grupos para que vosotros los exploréis con libertad (No excluyáis, de todas formas, los que os he dicho antes). Viniendo de la gran Osaka tenemos, como ya he dicho a OOIOO, formada exclusivamente por mujeres y liderada por Yoshimi P-We, de Boredoms, practican un minimalismo psicodélico con un sonido muy cercano a bandas Krautrockeras como Faust o Neu! con un componente de música tribal que le confiere el toque especial. La elaboración de las bases rítmicas, cargadas de sincopas y polirritmias provienen del enorme talento para la percusión de Yoshimi, ya de sobra demostrado en Boredoms, componiendo un música calculada, pero fluida, donde todo cuadra y todo tiene su sentido, y que, a pesar de no dejar espacio para la improvisación, tampoco deja de sorprender en ningún momento.

Las Afrirampo en acción.

También de Osaka son las enormes y enormemente desquiciadas Afrirampo. Este duo japonesil descarga todo su talento y creatividad en el escenario con un abrasivo punk de garage aderezado con unos agudísimos gritos que parecen sacados de un coro de etíopes puestos de anfetaminas y helio. Si OOIOO no dejaba lugar a la espontaneidad, en Afrirampo cobra un papel primordial convirtiendo sus conciertos en un enérgico espectáculo teñido de rojo.

Melt-Banana son de Tokyo, pero bien podrían venir de la misma Osaka por la descarga de punk y noise que nos lanzan desde el escenario. Guitarras cargadas de efectos que parecen sirenas, ultra-rápidas baterías compuestas de blastbeat’s, sincopas y ritmos de Drum n’ Bass, bajos distorsionados y un ultra aguda voz que te hará perder la cabeza, todo esto planteado en el formato de canción ultracorta propio del Grindcore. Como podéis ver aquí todo es ultra, pero con un talento y control propio de la mas técnica banda de metal progresivo que convertirán esta afilada mezcla en un obligatorio para los oídos mas selectos.

Damos una vuelta de 360 grados para alejarnos del noise y acercarnos a Kiiiiiii, un divertidísimo dúo fanático de barrio sésamo y las canciones infantiles que nos muestran en su  divertidísima performance sonora una música llena de divertidísimos detalles. Divertidísimo, por si no lo he dicho.

Volviendo a Osaka nos encontramos a Midori. Jazz Punk con una colegiala desquiciada al frente apoyada por un contrabajo distorsionado, un pianista de corte freejazzero y un genial batería. ¿Que mas necesitas?

Y para finalizar os hablare de las eclécticas ExGirl. Su mezcla es tan amplia que seria bastante difícil definirlas, tan solo decir que sus influencias pueden ir desde el noise, la libre atonalidad y el minimalismo, hasta el soul, el pop de los 80 o la percusión tribal además de una exquisitas armonías vocales contrapuntísticas. Todo sumado a una imagen colorida y marciana con letras sobre España, las ranas del planeta Kero Kero o héroes televisivos.

Pero quizás lo mejor de estas bandas es que logran incorporar estos sonidos, cada una, de una manera muy particular y personal además de bastante audible para cualquier oído medianamente preparado.

Con esto ya tenéis bastante trabajo para introduciros en este mundillo y ampliar a partir de aquí, posiblemente después de esto estaréis preparados para apuestas mas extremas como las mencionadas al principio del articulo, pero poco a poco, que os puede estallar la cabeza.

John Coltrane - A Love Supreme (1964)

John Coltrane es indiscutíblemente una de las grandes figuras del Jazz moderno, y dentro de su extensa discografía, este álbum destaca por encima de los demás, por lo tanto no es arriesgado decir que en “A Love Supreme” nos encontramos ante uno de los mejores álbumes de la historia del Jazz y de la música en general, y se lo ha ganado a pulso ya que desde el primer momento de escucha sabremos que nos encontramos ante algo grande, inmenso, supremo.

Si tuviese que escoger una palabra para definir el espíritu de este disco tendría muy claro cual seria: Intenso. Durante todo el disco se conserva un "algo" especial que te mantiene alerta y atento a cada nota y no te dejara descansar ni un momento, probablemente gracias al enigmático saxofón de Coltrane y a la enérgica batería de Elvin Jones, que no para ni un instante, unidos al impredecible pianista McCoy Tyner y al contrabajista Jimmy Garrison. Juntos, y utilizando el Jazz de vanguardia como vehiculo de expresión, nos plantean cuatro temas con una gran carga espiritual, como ya indica el titulo del disco, y que en las circunstancias adecuadas podrán sumirte en un místico trance divino con un único y todopoderoso dios: John Coltrane.
Probablemente este sea uno de los discos más apropiados para introducirse en la carrera en solitario del genio Trane, pues contiene todos los aspectos de su personalidad musical y es más audible que obras mas arriesgadas como "Ascension" con una apuesta puramente freejazzera.

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